Wie wir wissen, gibt es nichts Vergleichbares, wie ein historisches antikes Schmuckstück im Original zu erleben. Es in der Hand zu wiegen, das feine Relief oder die Cannetille-Arbeit des Goldes mit den Fingerspitzen zu ertasten und in die Glut eines leuchtenden Edelsteins zu blicken. Doch ebenso liegt ein besonderer Zauber darin, die uns vertrauten Schmuckstile kunstvoll inszeniert und gemalt in Porträts zu entdecken.
Vom Schimmer der Perlenohrringe im Mädchen mit dem Perlenohrring bis zum funkelnden Cut Steel-Dekolleté der Katharina der Großen – die Geschichte des Schmucks lässt sich zweifellos anhand dieser prachtvollen, historischen Porträts von Herrschern, Musen und vornehmen Damen und Herren nachvollziehen.
Porträt von Katharina II. von Russland, um 1780er Jahre, Quelle – Wikimedia Commons
Ein Blick in die faszinierenden Brogden-Alben in der Sammlung des Victoria and Albert Museum genügt, um zu erkennen, wie Schmuckentwürfe einst gestaltet und illustriert wurden. Wie gelang es, den Schimmer der edlen Perlen oder das Funkeln der Diamanten einzufangen? Vor allem aber war Schmuck in der Kunst weit mehr als ein Symbol für Reichtum – er half, die Geschichte des Gemäldes einzufangen und zu erzählen.
Illustration eines Anhängers aus den Brogden-Alben, um 1860, Quelle – The Victoria and Albert Museum
Wir haben im Folgenden einige unserer liebsten Gemälde ausgewählt, damit Sie bestaunen können, wie außergewöhnlich diese Werke waren – und sich zugleich fragen, wie sie mit solcher Sorgfalt und Realistik geschaffen wurden.
Achilles unter den Töchtern des Lykomedes
Achilles unter den Töchtern des Lykomedes, um 1650, Jan Boeckhurst, Quelle –Wikimedia Commons
Dieses Gemälde im klassischen Stil, Achilles unter den Töchtern des Lykomedes, das im Nationalmuseum Warschau aufbewahrt wird, zieht mit zahlreichen Details den Blick des Betrachters auf sich. Im Zentrum der Komposition jedoch steht eine funkelnde Schale voller Kostbarkeiten, durch deren Mitte sich eine üppige Perlenkette durch die Fingerspitzen der Dame windet. Dies war ein entscheidender Moment in der Legende des Achilles. In der antiken griechischen Mythologie verbarg Achilles’ Mutter, aus Angst, ihr Sohn könnte im Kampf fallen, Achilles als Frau im Haushalt des Königs Lykomedes. Die griechischen Fürsten schöpften jedoch Verdacht und legten den Frauen eine Schale mit schimmerndem Schmuck und Waffen als Geschenke vor. Anders als die übrigen Frauen griff Achilles sofort zu Schwertern und Schilden und offenbarte so seine wahre Identität.
Detail aus Achilles unter den Töchtern des Lykomedes, um 1650, Jan Boeckhurst, Quelle –Wikimedia Commons
Bemerkenswert ist, dass Achilles im Schatten platziert ist, während das Licht auf die Mitte der Juwelen fällt. Wie die Töchter des Lykomedes verspüren auch wir instinktiv den Wunsch, nach diesen Kostbarkeiten zu greifen.
Porträt der Julia Telyakovskova
Porträt der Julia Telyakvskova, um 1840–1860, Gravrii Yakolev, Quelle – Wikimedia Commons
Dieses Porträt der Julia Telyakovskova aus dem 19. Jahrhundert ist von außergewöhnlicher Schönheit. Doch betrachten Sie nur diesen Schmuck! Das Gemälde befindet sich in der Eremitage. Zwar ist die Dargestellte namentlich bekannt, doch über ihre Person ist wenig überliefert. Offensichtlich ist jedoch, dass sie als vornehme russische Adelige gekleidet ist. Ihr kunstvoll gewundenes Haar ist mit Juwelen geschmückt, und sie trägt eine beeindruckende Auswahl an Armreifen. Von einer Schlange als Symbol der Treue bis hin zum bemalten Armreif ihres Ehemanns – die Art, wie diese Dame sich präsentiert und schmückt, erzählt viel. Der Schmuck selbst ist dabei untypisch für Victorian- und Georgian-Designs.
Detail aus Porträt der Julia Telyakvskova, um 1840–1860, Gravrii Yakolev, Quelle – Wikimedia Commons
Porträt der Selvaggia Sassetti
Porträt der Selvaggia Sassetti, um 1487–88, David Bigordi, Quelle – The Metropolitan Museum of Art
Als wir dieses eindrucksvolle Porträt von Selvaggia Sassetti und die wunderschöne Korallenkette entdeckten, war sofort klar, dass sie in diesen Blog gehört. Das Gemälde befindet sich heute in der Sammlung des Metropolitan Museum of Art und gilt als Hochzeitsbildnis. Daher trägt sie die feinsten, leuchtenden Korallenperlen. Koralle schmückte im Zeitalter der Renaissance häufig das Dekolleté der Elite – nicht nur, weil sie kostbar und modisch war, sondern auch, weil sie als Symbol für die Passion Christi galt und in einigen Madonnenporträts als bevorzugter Edelstein erscheint. Zudem stand Koralle für Fruchtbarkeit – eine passende Wahl für ein Hochzeitsbildnis wie dieses.
Detail aus Porträt der Selvaggia Sassetti, um 1487–88, David Bigordi, Quelle – The Metropolitan Museum of Art
Die büßende Magdalena
Die büßende Magdalena, um 1594–1596, Michelangelo Caravaggio, Quelle – Wikimedia Commons
Nicht nur der Schmuck, den die Dargestellte trägt, hinterlässt einen bleibenden Eindruck, sondern auch die Art und Weise, wie die Abwesenheit von Schmuck inszeniert wird. Betrachten Sie Caravaggios Porträt der büßenden Magdalena: Eine Perlenkette, Perlen-Schleifenohrringe, ein Armband und eine lange Goldfiligrankette sind achtlos zur Seite gelegt. Das Gemälde ist von großer emotionaler Intensität, denn Maria Magdalena sitzt mit gesenktem Haupt in tiefer Trauer. Der Schmuck symbolisiert ihr ausschweifendes Leben, das sie nach der Himmelfahrt Jesu hinter sich lässt, um in der Wüste Buße zu tun. Juwelen galten uneingeschränkt als weibliche Attribute und Zeichen vornehmer Herkunft. Zugleich entstand das Werk während der Reformation und Gegenreformation, als Dekadenz auch mit Ausschweifung assoziiert wurde. Die zur Seite geworfenen Schmuckstücke sind daher auch ein Verweis auf Maria Magdalenas Vergangenheit als Prostituierte. Das Gemälde war seinerzeit bahnbrechend, da sein Realismus einen radikalen Bruch mit der bis dahin üblichen Darstellung der Heiligen in der Porträtkunst markierte.
Detail aus Die büßende Magdalena, um 1594–1596, Michelangelo Caravaggio, Quelle – Wikimedia Commons
Die Grace Rose
Frederick Sandys, 1829–1904, britisch, Grace Rose, 1866, Öl auf Holz, Yale Center for British Art, Paul Mellon Fund, B1993.20
Dieses Porträt von Grace Rose aus dem Jahr 1866, geschaffen von Frederick Sandys, ist ein typisches Beispiel für den präraffaelitischen Stil. Umgeben von prachtvollen rosa und roten Rosen, wird der Blick unweigerlich auf Graces blaue Augen, die blaue Borte ihres Kleides und ihren hellblauen Cabochon-Ring gelenkt. Doch was besonders ins Auge fällt, ist ihr atemberaubender, leuchtender Goldschmuck. Ihre kugelförmige Goldkette, die Etruscan Revival-Ohrringe und das im gälischen Stil gehaltene Torque-Armband scheinen auf ihrer hellen Haut regelrecht zu strahlen. Häufig stellten präraffaelitische Gemälde ihre weiblichen Protagonistinnen als mythologische Figuren dar, wobei die Auswahl des Schmucks diese Rolle unterstrich. So trägt beispielsweise das rothaarige Modell in einem weiteren berühmten Gemälde von Sandys, The Helen of Troy von 1867, zwei eindrucksvolle Colliers: eine Gold- und Korallenkette im Girlandenstil sowie eine Korallenfransen-Kette. Wie bereits erwähnt, galt Koralle als Symbol sowohl für Göttlichkeit als auch für Wohlstand und war daher eine passende Wahl für die Frau, die als die schönste der Welt angesehen wurde. Auch wenn wir nicht mit Sicherheit sagen können, wen Sandys hier darstellen wollte und ob dieses Porträt tatsächlich mythologischen Ursprungs ist, könnte der Name dennoch eine Anspielung auf das Idealbild der "English Rose"-Schönheit sein, das die Victorianische Epoche prägte.
Frederick Sandys, 1829–1904, britisch, Grace Rose, 1866, Öl auf Holz, Yale Center for British Art, Paul Mellon Fund, B1993.20
Krönungsporträt der Kaiserin Joséphine
Krönungsporträt der Kaiserin Joséphine, um 1807–1808, Baron François Gérard, Quelle – Wikimedia Commons
Und zuletzt, aber gewiss nicht weniger bedeutend, das Krönungsporträt der Kaiserin Joséphine, Gemahlin von Napoleon Bonaparte. Ihr ganzes Leben hindurch ist Kaiserin Joséphine auf Gemälden mit einer Fülle von Juwelen dargestellt – von einem Kameen-Parure bis hin zu der bezaubernden Smaragd- und Diamantgarnitur, die sie hier trägt. Es ist zu beachten, dass viele der auf den Gemälden abgebildeten Schmuckstücke möglicherweise nie existierten. Dennoch gibt es Grund zu der Annahme, dass dieses Smaragd-Ensemble, das Joséphine hier trägt, tatsächlich existierte und noch immer existiert. Durch Joséphines Nachkommen im norwegischen Königshaus befinden sich viele der ihr zugeschriebenen Schmuckstücke heute in den norwegischen Kronjuwelen, wobei zahlreiche Stücke stilistische Parallelen zu den Juwelen aufweisen, die Joséphine auf einigen ihrer Porträts trug. Es ist jedoch ebenso möglich, dass sie zerlegt und in dieses Smaragd-Set eingearbeitet wurden, das Napoleon und Joséphine ihrer Tochter Stéphanie de Beauharnais schenkten und das sich heute im Victoria and Albert Museum befindet. Ungeachtet dessen ist die Pracht und Opulenz dieses Porträts unbestreitbar – all dies verdankt sich der Magie des Schmucks.
Detail aus dem Krönungsporträt der Kaiserin Joséphine, um 1807–1808, Baron François Gérard, Quelle – Wikimedia Commons