Wer liebt Art Deco Schmuck nicht? Voller Dekadenz stehen Art Deco Stücke in einer eigenen Liga! Berühmt für ihre architektonisch-vertikalen Designs, markanten Merkmale und die durchdachte Farbgebung, ist Art Deco Schmuck untrennbar mit dem glamourösen, ausgelassenen Lebensgefühl der Goldenen Zwanziger verbunden – jener Epoche, in der diese Kreationen mit kreativer Brillanz entstanden.
Der Grund, warum Art Deco Schmuck so hoch geschätzt wird, liegt darin, dass er seinerzeit in Form und Gestaltung vollkommen revolutionär war.
Nicht zu vergessen: Technisch profitierte der Art Deco Schmuck von wirtschaftlichen und technologischen Durchbrüchen. Fortschrittliche Lapidare und Maschinen ermöglichten eine Fülle neuer, extravaganter Designs. Doch wer waren die Juweliere, die im Aufschwung nach Krieg und Pandemie aufblühten? Finden wir es heraus.
Paul Emile Brandt
Auch für seine funkelnden Beiträge zur Art Nouveau Schmuckkunst bekannt, fand Paul Emile Brandt in den 1920er Jahren zu seiner wahren Ausdruckskraft und prägte die Epoche nachhaltig. Seine Kollektionen zeichneten sich durch eine markante monochrome Farbpalette aus: Weißgold, schwarzer Emaille und Diamanten – eine Ästhetik, die auch eng mit Art Deco Schmuck verbunden ist.
Geboren 1883 in der Schweiz, zog Brandt nach Paris, als er volljährig wurde. Paris war damals in Europa und weltweit die Wiege der Art Nouveau und Art Deco Kunstbewegungen – ein Umfeld, in dem Brandt aufblühte. Seine Kreationen stehen bis heute auf den Wunschlisten vieler Sammler. In den internationalen Ausstellungen der 1920er Jahre präsentierte er vielfach Werke, die zum Inbegriff des Art Deco Stils wurden: geprägt von Kreisen, Dreiecken und Rechtecken. Mit spielerischer Raffinesse kombinierte er geometrische Formen und Edelsteine – ein Ansatz, der in höchster Eleganz mündete.
Quelle – Alex Abache Pexels
In dieser Epoche zählten Brandts begehrteste Kreationen lackierte Zigarettenetuis und Minaudières, die durch markante, aber schlichte geometrische Formen und eine üppige Edelsteinbesetzung bestachen. Brandt zeigte zudem eine große Neugier, mit Licht und Schmuck zu experimentieren. So stellte er beispielsweise bewusst Plaketten aus opaken Edelsteinen wie Lapislazuli transparenten, funkelnden und hochreflektierenden Steinen wie Bergkristall und Diamanten gegenüber.
Brandt fertigte seine Werke bis in die 1930er-Jahre. Seine letzte Ausstellung fand 1936 statt, danach verlagerte er seinen Fokus auf industrielle Unternehmungen. Dies geschah zu einem günstigen Zeitpunkt, da sich der Schatten des Zweiten Weltkriegs über Europa legte. Nach dem Zweiten Weltkrieg gründete er ein eigenes Unternehmen für Zinnwaren und wandte sich endgültig vom Schmuck ab – doch sein Vermächtnis im Art Deco-Schmuck bleibt unvergessen.
Raymond Templier
Beeinflusst vom Kubismus und der Dynamik der industriellen Produktion, war Templier maßgeblich an der ästhetischen Wende von detailreichen zu kraftvollen, reduzierten Formen beteiligt. Wie auch Brandt arbeitete Templier in Paris, verfügte jedoch über einen reichen Schatz an persönlicher Erfahrung und Wissen. 1891 in eine Juweliersfamilie geboren, wuchs Templier umgeben von spätem Victorian- und Belle Époque-Schmuck auf, doch er behielt stets den Blick auf die sich rasant wandelnde Welt und Mode. Als er 1919 in das Familienunternehmen eintrat, wandte er sich bewusst von der traditionellen Herangehensweise seiner Familie ab und kombinierte fließende Geometrie mit markanten, kantigen Linien und Formen.
"Femme Au Miroir", um 1916, Jean Metzinger, Quelle – Wikimedia Commons
Bemerkenswert ist, dass Templier in den Wundern der industriellen Fertigung eine neue Sicht auf Schmuck fand. In den 1920er-Jahren erhielten immer mehr Menschen Zugang zu Autos und Automobilen – man kann sich lebhaft vorstellen, wie dies das visuelle Stadtbild jener Zeit veränderte, wenn Fahrzeuge durch die Straßen rauschten. Der Lärm, die Kühnheit, die Geschwindigkeit und die Maschinenwelt ließen Templier Schmuck mit ganz neuen Augen sehen.
Templier bevorzugte kühle Metalle wie Silber, Weißgold und Platin, die er mit Aquamarinen, Lapislazuli und Korallen kombinierte. Er verband invertierte Dreiecke und Rechtecke mit geschwungenen Linien und Bögen in unzähligen Variationen. Gelegentlich setzte er Emaille ein, um einen Farbakzent zu setzen, doch überwiegend blieben seine Kreationen monochrom.
Templiers Entwürfe lassen sich sowohl dem Art Moderne als auch dem Art Deco zuordnen, wobei Ersteres im Wesentlichen einen betont waagerechten, stromlinienförmigen Ansatz verfolgte, im Gegensatz zu den vertikalen, stilisierten und geometrischen Formen. Seinen kühnen, temperamentvollen und wagemutigen Inspirationsquellen blieb er auch in den 1940er- und 1950er-Jahren treu, als sich die Moden wandelten. Tatsächlich sind wir überzeugt, dass er ein großartiger Gast bei einem eleganten Dinner wäre – man kann sich seine Exzentrik und seinen furchtlosen Geist lebhaft vorstellen.
Die Lacloche Brüder
Leopold, Jacques, Jules und Fernand Lachloche, auch bekannt als Lacloche Freres oder die Lacloche Brüder, zählten während der Art Nouveau und Belle Époque zu den erfolgreichsten Schmuckdesignern und -marken. Sie machten den Namen Lachloche zum Inbegriff exquisiter Schmuckkunst des frühen 20. Jahrhunderts – und ihr Glanz verblasste auch in den 1920er-Jahren keineswegs!
Man könnte annehmen, dass diese vier Brüder in das Juwelierhandwerk hineingeboren wurden, doch tatsächlich war ihr Vater Textilhändler. Jeder der vier Brüder führte zunächst sein eigenes Juweliergeschäft in Frankreich und Spanien, doch erst der tragische Tod von Jules im Jahr 1900 brachte die übrigen drei Brüder zusammen. Sie ließen sich 1901 in Paris in der eleganten Rue De La Paix nieder – und so entstand Lachloche Freres! Die drei Brüder trafen die bewusste Entscheidung, nur die erlesensten Stücke in ihrem Geschäft zu präsentieren und arbeiteten mit einigen der talentiertesten Designer und Werkstätten der Pariser Szene zusammen. Rasch bauten sie auf diesem Erfolg auf und trafen eine kluge, strategische Entscheidung: Sie eröffneten gezielt Filialen in beliebten Ferienorten wie Biarritz, Cannes, San Sebastian, Monaco und Nizza – und zogen so die Aufmerksamkeit wohlhabender amerikanischer und britischer Gesellschaften auf sich.
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Tatsächlich arbeitete Lacloche Freres mit einigen der bedeutendsten Namen der Schmuckgeschichte zusammen, darunter Lalique, Verger und Paillet. Während der Art Deco Epoche konzentrierten sie sich auf hochkarätige, kostspielige Stücke wie Diamantarmbänder, Tiaras, Necessaires aus Perlmutt und farbenfrohe Jabot-Broschen. Sie griffen eine der Art Deco Inspirationen, den Japonismus und die Chinoiserie, auf und verwendeten in ihren Entwürfen häufig japanische und chinesische Motive. Nach ihrer Ausstellung auf der internationalen Exposition 1925 wurden sie mit einem Grand Prix ausgezeichnet!
Nach dem Börsencrash an der Wall Street im Jahr 1929 spürten auch die Lachloche Freres bald die verheerenden Folgen. 1931 meldeten die Brüder Insolvenz an und schlossen ihr Geschäft endgültig. Dennoch setzte Jacques Lachloche seine Tätigkeit im Schmuckbereich in kleinerem, exklusiverem Rahmen fort und zählte Persönlichkeiten wie Fürstin Gracia Patricia von Monaco zu seinen Kunden.
Die Rubel Brüder
Nicht nur die Lacloche Freres dominierten die Pariser Schmuckszene – auch die Brüder Rubel führten in den 1920er- und 1930er-Jahren eine der renommiertesten Schmuckwerkstätten. Jean und Robert Rubel, die eng mit Van Cleef & Arpels zusammenarbeiteten, stammten ursprünglich aus Ungarn, wo sie zuvor ein erfolgreiches Juweliergeschäft in Budapest betrieben hatten.
Bemerkenswert ist, dass Robert Rubel maßgeblich am Beitrag von Van Cleef & Arpels zur Pariser Weltausstellung 1925 beteiligt war. Tatsächlich half er bei der Anfertigung des atemberaubenden Rubin- und Diamant-Armbands „Rosen“, das Van Cleef & Arpels einen Grand Prix einbrachte! Die Rubels und Van Cleef & Arpels pflegten über zwanzig Jahre eine enge Zusammenarbeit. So sehr, dass die Rubels eingeladen wurden, die Werkstatt von Van Cleef & Arpels in New York zu leiten – genau zu jener Zeit und an jenem Ort, an dem die weltberühmten Ballerina-Broschen von Van Cleef & Arpels entstanden (angeblich war es Jean Rubel, der eine Flamenco-Tänzerin sah und so begeistert war, dass er deren Umsetzung veranlasste).
Gleichwohl waren es auch diese Tänzer-Broschen, die 1943 zur Trennung von Van Cleef & Arpels führten und zur Eröffnung eines eigenen Geschäfts in der 7th Avenue in New York City. Ihr Neffe übernahm die Pariser Schmuckwerkstatt, doch wie bei den meisten Juwelieren während des Zweiten Weltkriegs – insbesondere jüdischen Juwelieren in Paris – kam ihre Arbeit weitgehend zum Erliegen. Dennoch hinterließen sie eines der dauerhaftesten Vermächtnisse der Schmuckwelt und vielleicht bergen sie das Geheimnis einiger der bestgehüteten Schätze jener Zeit.
Suzanne Belperron
Wir haben Suzanne Belperron tatsächlich bereits in unserem Blog zum Internationalen Frauentag im vergangenen Jahr vorgestellt, doch sind wir nach wie vor fasziniert von ihr und dem bleibenden Vermächtnis, das sie in der Welt des Schmucks hinterlassen hat.
Belperron zählt nicht nur zu den einflussreichsten Schmuckdesignerinnen des vergangenen Jahrhunderts, sondern gehört zu den bedeutendsten Juwelieren der Geschichte. Ursprünglich für Boivin tätig, prägte Belperron ihre gestalterische Handschrift mit ausdrucksstarken, geschwungenen Schmuckstücken, die sie innerhalb der geometrischen Rahmen des Art Deco-Zeitalters inszenierte. Anders als viele Frauen ihrer Zeit widmete Belperron ihre frühen Zwanziger dem Ausbau ihres kreativen Renommees und dem internationalen Erfolg von Boivin, anstatt eine Familie zu gründen. Diese Hingabe ebnete ihr den Weg zum Erfolg und stellte sie auf eine Stufe mit ihren männlichen Kollegen. Besonders hervorzuheben sind ihre Boivin-Entwürfe, in denen sie edle und halbedle Materialien kombinierte und Edelsteine wie Chalcedon, Bergkristall und Rauchquarz verwendete.
Im Februar 1932 trat Belperron zurück und schloss sich bald darauf Herz an – einem renommierten Pariser Händler für Edelsteine. Herz gewährte Belperron völlige künstlerische Freiheit in seiner Werkstatt. Ihre originellen und unverwechselbaren Kreationen wurden von den führenden Modezeitschriften und den gesellschaftlichen Größen der Zeit begeistert aufgenommen. Besonders ihre Stücke wurden von Diana Vreeland bewundert und gesammelt.
Man könnte sagen, Schmuckhistoriker sind der Ansicht, dass Belperrons Entwürfe deshalb so geschätzt wurden, weil sie die lineare Ästhetik des Art Deco aufweichten. Dennoch griff sie immer wieder auf Art Deco-Kuriositäten zurück und ließ sich fortwährend von Motiven aus Ägypten, Ostindien, dem Fernen Osten und Afrika inspirieren.
Ihre Entwürfe waren ein Markenzeichen für sich – sie signierte ihre Stücke nie, sondern sagte berühmt: „Mein Stil ist meine Signatur“.