Wenn Sie ein treuer Leser unseres Blogs sind, ist Ihnen sicherlich aufgefallen, dass wir regelmäßig zahlreiche Bilder und Schmuckstücke aus der Sammlung des Victoria and Albert Museum präsentieren. Im Herzen Londons gelegen, zählt das V&A nicht nur zu den bedeutendsten Museen des Vereinigten Königreichs, sondern gilt auch weltweit als führendes Designmuseum. Es beherbergt eine renommierte Sammlung von Mode und Schmuck, die es mit dem Metropolitan Museum of Art in New York aufnehmen kann.
Deshalb haben wir unsere liebsten, inspirierenden Stücke zusammengestellt, die das Victoria and Albert Museum derzeit beherbergt. Viele Museen haben zudem im Zuge von Covid-19 ihre Online-Sammlungen erweitert, sodass Sie die prachtvolle Auswahl bequem von Ihrem Sofa aus bewundern können.
Geschichte des V&A
Das V&A ist das weltweit größte Museum für angewandte und dekorative Kunst, Design und Skulptur – mit 2,27 Millionen Objekten in einer beeindruckend vielfältigen Sammlung. Von italienischer Renaissance-Skulptur bis zu Ballkleidern von Charles Frederick Worth: Dieses Juwel in Londons Krone bietet alles, was das Herz von Kunst-, Design- und Geschichtsliebhabern begehrt.
Und selbstverständlich ist auch ihre Schmuckkollektion absolut bemerkenswert!
Wenn Sie ein Liebhaber der Victorian Epoche sind, haben Sie sicherlich schon von der Great Exhibition im Jahr 1851 gehört. Henry Cole, der erste Direktor des Museums, spielte eine entscheidende Rolle bei der Planung der Great Exhibition und erkannte früh eine Lücke in der Londoner Kunst- und Designszene – die Menschen wollten die Schätze der Welt bestaunen.
Der John Madejski Garden im Victoria and Albert Museum, Quelle – Wikimedia Commons
Das V&A war ursprünglich als Museum of Manufactures bekannt – ein Verweis auf den industriellen Aufschwung, der damals durch England zog. Die Eröffnung erfolgte 1852 im Marlborough House, doch bereits im September desselben Jahres zog das Museum ins Somerset House um. Die frühesten Sammlungsstücke des V&A stammten aus der Great Exhibition selbst.
Im Jahr 1854 wurde das Museum in South Kensington Museum umbenannt und an seinen heutigen Standort verlegt. Interessanterweise wurde das V&A zu einem Ort der Muße, da es als erstes Museum weltweit über eigene Erfrischungsräume verfügte. Einer dieser Räume wurde sogar von William Morris gestaltet und ist bis heute eine wunderbare Hommage an sein künstlerisches Schaffen und seinen unverwechselbaren Stil.
Die feierliche Eröffnung durch Königin Victoria fand im Jahr 1857 statt. In den frühen Jahren des Museums standen seine Sammlungen in starkem Kontrast zu den „hohen Künsten“ der National Gallery und des British Museum, dennoch zog es ein großes Publikum an.
Während des Zweiten Weltkriegs wurden große Teile der Museumssammlungen in einen Steinbruch in Wiltshire, nach Montacute House in Somerset und in einen Tunnel nahe der Aldwych-U-Bahn-Station verlegt. Ein Jahr nach Kriegsende präsentierte das V&A seine bis dahin erfolgreichste Ausstellung: Die „Britain Can Make It“-Schau zog nahezu 1,5 Millionen Besucher an und erfüllte die britische Bevölkerung mit Stolz und neuem Selbstbewusstsein.
Als ein Mosaik verschiedenster Architekturstile besitzt das V&A eine imposante, strenge Präsenz im Herzen von South Kensington. Viele der Galerien sind im neoklassizistischen Stil gehalten, geschmückt mit Gemälden, Künstlerstatuen und Mosaiken. Die Legenden der Kunst und Bildhauerei werden im gesamten Museum gefeiert. So zieren beispielsweise große Bronzetüren mit Darstellungen von Tizian, Isaac Newton und Michelangelo die Nordfassade. Der Stil des Museums ist klar von romanischen, klassischen, mittelalterlichen und spätgotischen Einflüssen geprägt, wie es auch für viele Edwardian und Victorian Bauten charakteristisch ist.
Zu den bedeutendsten Sammlungen des V&A zählen Mode und Schmuck, Möbel, Theater, Architektur sowie asiatische Kunst.
Die Kostümsammlung gilt als die renommierteste Großbritanniens und umfasst Stücke, die überwiegend von 1600 bis in die heutige Zeit datieren. Zu den herausragenden Exponaten zählen der Hochzeitsanzug von James II., Roben von Audrey Hepburn sowie Abendkleider der berühmtesten Designer der Welt.
Die Schmucksammlung umfasst über 6000 Stücke (was unsere Arbeit wahrlich nicht leichter gemacht hat!) und reicht von Werken aus dem Alten Ägypten bis in die Gegenwart, ergänzt durch zahlreiche historische Schmuckillustrationen. Von Lalique über Cartier bis Fabergé – hier finden sich Kreationen aus den Händen dieser legendären Goldschmiede. Neben antikem und historischem Schmuck sammelt das Museum auch weiterhin zeitgenössische Schmuckkunst von modernen Kunsthandwerkern.
Anhänger mit Perle, Emaille und Salamander, 16. Jahrhundert
Wir entdeckten diesen außergewöhnlichen und einzigartigen Anhänger erstmals bei der Recherche für unseren Lillicoco University Juni-Geburtsstein-Guide. Es ist kaum zu fassen, dass dieses Stück tatsächlich im 16. Jahrhundert von Hand gefertigt wurde! Besonders beeindruckend ist, wie der Körper des Salamanders sich an die unregelmäßige Form der Barockperle schmiegt – ein Anblick von erlesener Schönheit. Das makellose kornblumenblaue Emaille auf dem Körper raubt einem förmlich den Atem!
Anhänger mit Salamander aus Emaille, Gold, Perle und Smaragd, 16. Jahrhundert, Quelle – The Victoria and Albert Museum.
Barockperlen waren im 16. Jahrhundert außerordentlich en vogue, und besonders große Exemplare wie dieses, mit ihren vielfältigen Konturen und geschwungenen Formen, waren bei Juwelieren äußerst beliebt, da sie ihnen erlaubten, ihre Kunstfertigkeit voll auszuleben und zu entfalten.
Natürlich war die Schmuckkunst der Renaissance, wie jeglicher antiker Schmuck, reich an Symbolik. Man glaubte, dass der Salamander selbst unsterblich gegenüber Feuer sei und Brände sogar löschen könne, wie sowohl Aristoteles als auch Plinius der Ältere berichteten. Im Laufe der Jahrhunderte führten diese feurigen und leidenschaftlichen Assoziationen dazu, dass der Salamander als Sinnbild des glühenden Liebhabers galt. Man kann sich also lebhaft vorstellen, dass dieses Schmuckstück für eine leidenschaftliche Romanze in Auftrag gegeben wurde.
Italienische Tiara aus dem frühen 19. Jahrhundert
Könnten Tiaras bitte wieder in Mode kommen!? Diese italienische Tiara aus dem frühen 19. Jahrhundert ist eines der außergewöhnlichsten Insignien, die wir je gesehen haben! Gefertigt im Jahr 1808, vermutet das Victoria and Albert Museum, dass dieses Stück entweder in Florenz oder Neapel entstand – zwei Zentren der Goldschmiedekunst in Italien, wie Archivfunde zur Parure in beiden Städten belegen.
Pietre Dure Lapis-Lazuli-Chalcedon-Gold-Tiara, um 1808, Quelle – The Victoria and Albert Museum
Diese Tiara besteht aus vier Lapis-Lazuli-Plaketten, die mit Perlen und Muscheln in der pietre dure-Mosaiktechnik eingelegt sind. Es wird zudem angenommen, dass diese Tiara einst Königin Caroline Murat von Neapel (1782–1839) gehörte.
Wir bewundern die Feinheit der Bildmotive in den Plaketten – und die klaren Meeresmotive sind sowohl im frühen Schmuck des 19. Jahrhunderts als auch insbesondere bei Tiaras eine Seltenheit.
Castellani Mikromosaik-Anhänger aus dem 19. Jahrhundert
Wenn Sie die etruskische Revival-Periode ebenso lieben wie wir, wird Ihnen dieses Mikromosaik-Anhänger aus dem 19. Jahrhundert ganz sicher gefallen.
Castellani Gold Emaille Mikromosaik-Anhänger, um 1855, Quelle – The Victoria and Albert Museum
Antiker Mikromosaik-Schmuck ist äußerst begehrt – und man erkennt sofort, warum: Sie sind einfach atemberaubend! Der Begriff Mikromosaik bezeichnet Mosaikreliefs, die aus winzigsten farbigen Glasfragmenten gefertigt werden. In den technisch anspruchsvollsten Stücken können sich bis zu 5000 einzelne Teile auf einem Quadratzoll befinden! Diese Technik entwickelte sich im 18. Jahrhundert, insbesondere in der Mosaikwerkstatt des Vatikans.
Dieses prachtvolle Anhänger wurde in Rom gefertigt und zeigt ein naturalistisches Relief Christi, inspiriert von einem Mosaik aus dem 12. Jahrhundert in San Clemente, Rom. Castellani war ein berühmter italienischer Juwelier, der maßgeblich an der Entstehung und Verbreitung der archäologischen Revival-Bewegung beteiligt war. Seine außergewöhnlichen Werke sind heute begehrte Sammlerstücke, berühmt für ihre filigrane Ausarbeitung und luxuriöse Exzellenz.
Glenn Spiro Papillon Ring
In der BBC-Dokumentarserie Secrets of the Museum vorgestellt – wir mussten einfach den Ring aufnehmen, den Beyoncé persönlich getragen und gestiftet hat!
Tsavorites Diamant Papillon Ring, Glenn Spiro, 2014, Quelle – The Victoria and Albert Museum
Glenn Spiro zählt zu den talentiertesten und renommiertesten Juwelieren unserer Zeit – und dieses Meisterwerk zeigt eindrucksvoll, warum er so geschätzt wird. Übersät mit funkelnden Tsavoriten und Diamanten (die Familie Knowles-Carter verdient nur das Beste!), reicht dieser Ring knapp über das Fingergelenk. Dank der Scharniere beginnen die Flügel bei einer leichten Fingerbewegung zu flattern.
Wir haben ein Video von Glenn Spiro selbst hinzugefügt, in dem er über den Ring spricht und seine atemberaubende, dynamische Bewegung zeigt.
Die Hahn-und-Henne-Brosche
Ein bezauberndes und mit größter Sorgfalt gefertigtes Schmuckstück – die Hahn-und-Henne-Brosche besticht durch so viele liebevolle Details, dass wir sie einfach aufnehmen mussten, sobald wir sie erblickten.
Die Hahn-und-Henne-Brosche, um 1900, Lucas Von Cranach, Quelle – The Victoria and Albert Museum
Trotz des rustikalen und heiteren Charmes dieses Stücks ist es aus Diamanten, Perlen, Rubinen und Demantoid-Granaten gefertigt, was seinen luxuriösen Charakter unterstreicht.
Diese besondere Brosche wurde von Lucas Von Cranach (1861–1918) gefertigt, einem in Berlin ansässigen Schmuckdesigner, der für seinen individuellen Stil und seine Kreativität bekannt war. Das V&A ist der Ansicht, dass diese Brosche eine Interpretation des bekannten Sprichworts „the cock croweth but the hen delivereth the egg“ darstellt.
Die elliptische Herzform der emaillierten Ranken ist kein Zufall – sie rahmt dieses Stück bewusst als Liebesgabe ein. Vielleicht wurde es einst von einem leidenschaftlichen Verehrer in Auftrag gegeben und verschenkt, um das Herz seiner Geliebten zu gewinnen.
Das Heneage-Juwel
Wenn Sie britische Geschichte lieben, insbesondere die Geschichte der britischen Königsfamilie, werden Sie vom Heneage-Juwel begeistert sein!
Das Heneage-Juwel, um 1595, Nicholas Hilliard (Maler), Quelle – The Victoria and Albert Museum
Das Heneage-Juwel wurde 1595 von Nicholas Hilliard geschaffen. Auf der Vorderseite befindet sich ein Porträt von Königin Elizabeth I., während auf der Rückseite ein Boot in voller Fahrt zu sehen ist. Das Boot segelt ruhig durch stürmische See und symbolisiert die Beständigkeit und Stärke der anglikanischen Kirche.
Es wird angenommen, dass dieses Stück von Sir Thomas Heneage, einem Mitglied des Kronrats und Vizekämmerer des königlichen Haushalts, in Auftrag gegeben wurde. Im Inneren des Medaillons befindet sich ein meisterhaft ausgeführtes Miniaturporträt von Königin Elizabeth I. sowie eine emaillierte rote Tudor-Rose.
Die Inschrift im Inneren lautet: „Alas that so much virtue suffused with beauty should not last for ever inviolate“. Solche Lobpreisungen der Schönheit und Tugend der Königin waren am Tudor-Hof weit verbreitet, da sie die Loyalität zur Königin bekundeten und zugleich die Hoffnung ausdrückten, im eigenen Rang aufzusteigen.
Früh-18. Jahrhundert Spanisches Mieder-Ornament
Entstanden an der Schwelle zum 18. Jahrhundert, war dieses spanische Mieder-Ornament ein traditionelles Schmuckstück, das auf dem Korsettmieder eines Kleides getragen wurde. Besonders dieses Exemplar ist mit über 300 Diamanten in Goldfassungen besetzt und vermittelt dadurch ein schweres, wertiges Gefühl.
Spanisches Mieder-Ornament, um 1700, Quelle – The Victoria and Albert Museum
Wie bei den meisten antiken Schmuckstücken sind auch hier die vorherrschenden Diamantschliffe Rosenschliffe, die ein romantisches, silbriges Leuchten verströmen. Das gesamte Stück ist ein kunstvoll gearbeitetes Gitterwerk aus Gold mit Akanthusblättern, Rosetten, geschwungenen Linien und Blattwerk. Man kann sich lebhaft vorstellen, wie dieses Schmuckstück auf einem feinen Seidenmieder einen atemberaubenden Eindruck hinterlässt!
Das Ornament selbst wurde vom Victoria and Albert Museum aus dem Schatz der Kathedrale der Jungfrau von Pilar in Saragossa erworben. Es soll von Doña Ana Maria de Flores, Marquesa von Puebla, getragen und präsentiert worden sein, die am spanischen Hof als große Schönheit galt.
Victorian Diamond Spray Ornament
Ein weiteres außergewöhnliches Ornament: Dieses Victorian Diamond Spray-Stück ist wahrlich bemerkenswert! Auch hierbei handelt es sich um ein Mieder-Ornament, das sich mit den Schritten der Trägerin bewegte und „zitterte“, da einige der Blüten an Federn befestigt waren.
Diamant-Spray-Ornament, um 1850, Quelle – The Victoria and Albert Museum
Man nimmt an, dass dieses Stück aufgrund seiner meisterhaften Ausführung auf der Great Exhibition 1851 gezeigt wurde. Über und über mit Diamanten besetzt, kann man sich vorstellen, wie dieses Ornament im Licht unaufhörlich funkelt.
Wie der Glenn Spiro Papillon Ring wurde auch dieses Ornament in der Dokumentation Secrets of the Museum vorgestellt.
Was wir an diesem Ornament besonders schätzen, ist die Möglichkeit, es mühelos auseinanderzunehmen und als einzelne Schmuckstücke zu tragen – ein Beweis für die Liebe der Victorians zu Schmuck, der vom Tag bis in die Nacht begleitet.
Reliquiar-Anhänger mit Granat aus dem 17. Jahrhundert
Religiöser Schmuck fasziniert uns immer wieder, denn er verlangt ein gewisses Maß an Respekt und Wertschätzung. Dieser gravierte Hessonit-Granat mit emaillierten Gold-Details stellt die Jungfrau Maria dar. Von strahlend weißem Email bis hin zu königsblau – dieses außergewöhnliche Anhänger wurde als Andachtsstück getragen, ein Sinnbild des katholischen Europas.
Gravierte Edelsteine haben stets einen besonderen Platz in unserem Herzen, und auch dieses Reliquiar-Anhänger bildet da keine Ausnahme.
Wir hoffen, Sie hatten Freude beim Lesen! Welches Stück ist Ihr Favorit? Teilen Sie es uns gerne unten in den Kommentaren mit.
Mit Liebe, Lillicoco xo