Wenn in den Sommermonaten die Temperaturen steigen, beginnen wir von den sonnenverwöhnten Landschaften des Mittelmeerraums und darüber hinaus zu träumen. Von den Olivenhainen der Toskana über das funkelnde Türkis der griechischen Gewässer bis zu den goldenen Sandstränden des alten Ägypten – diese verlockenden Länder beflügeln unsere Fantasie mit ihrer geheimnisvollen Vergangenheit, ihrer entspannten Lebensart, köstlicher Küche und atemberaubender Natur.
Und wir sind nicht allein – diese Kulturen faszinierten bereits unsere Vorfahren und inspirierten sie dazu, prachtvollen Schmuck zu Ehren dieser Länder und ihrer antiken Gesellschaften zu erschaffen.
Paar goldene hellenistische Ohrringe, 3.–2. Jahrhundert v. Chr., Quelle – The Metropolitan Museum of Art
Auch wenn wir derzeit vielleicht nicht unbeschwert reisen können, so vermag doch unsere Liebe zu Schmuck die Sehnsucht und Freude am Abenteuer zu entfachen!
„Archaeological revival“ war ein bedeutender Trend sowohl in der Georgian- als auch in der Victorian-Ära. Als Sammelbegriff für zahlreiche Epochen und Stilrichtungen bezeichnet archäologischer Revival-Schmuck im Wesentlichen Schmuck, der im Stil antiker Vorbilder neu geschaffen wurde und sich an Funden aus archäologischen Ausgrabungen orientiert.
Wunderschön und von zeitloser Eleganz – wir werfen einen genaueren Blick auf die verschiedenen Stile und Techniken, die den archäologischen Revival-Schmuck auszeichnen.
Was ist archäologischer Revival-Schmuck? Und warum war er so beliebt?
Obwohl es zahlreiche verschiedene Stile des archäologischen Revival-Schmucks gibt, lassen sie sich im Allgemeinen in Etruscan Revival, hellenistisches Revival (oder neoklassizistisch) und ägyptisches Revival unterteilen.
Etruscan Revival Schmuck
Etruscan Revival Schmuck ist Schmuck, der nach dem Vorbild des antiken römischen Reiches gestaltet wurde, insbesondere nach der etruskischen Zivilisation des antiken Italiens in der Toskana, Westumbrien und Nordlatium (700–300 v. Chr.).
Die etruskische Zivilisation wurde maßgeblich sowohl von den antiken Griechen als auch von den alten Römern beeinflusst, da die Griechen ihre Gebiete in die südlichen Regionen Italiens ausdehnten. Archäologische Funde belegen, dass die Etrusker mit der griechischen Mythologie bestens vertraut waren, was sich in zahlreichen Figurenmotiven ihrer Kunstwerke widerspiegelt.
Etruskisches Schmuckset, frühes 5. Jahrhundert v. Chr., Quelle – The Metropolitan Museum of Art
Das Interesse an etruskischem Revival-Schmuck begann während der georgianischen Epoche des 18. Jahrhunderts, als die Ruinen von Pompeji (1748) und Herculaneum (1738) entdeckt wurden. Tatsächlich entstanden die ersten etruskischen Revival-Stücke jedoch erst ein Jahrhundert später, als die Schmuckherstellung deutlich ausgereifter war. Viele dieser Schmuckstücke datieren in die 1860er bis 1880er Jahre, doch die Architektur und antiken Funde inspirierten Schmuckkünstler weltweit.
Gold Emaille Diamant Etruscan Revival Anhänger, Eugene Fontenay, Mitte bis spätes 19. Jahrhundert, Quelle – The Metropolitan Museum of Art
Es wird angenommen, dass der etruskische Revival-Stil mit dem italienischen Juwelier Alessandro Castellani seinen Ursprung fand. Castellani war ein hochgeschätzter und renommierter italienischer Goldschmied, dem vom Vatikan eine besondere Erlaubnis erteilt wurde, diese antiken Schmuckstücke aus nächster Nähe zu betrachten und deren kunstvolle Fertigung zu studieren.
Konkret erhielt er 1836 vom Vatikan die Erlaubnis, das noch unberührte Regolini-Galassi-Grab zu besichtigen. Inspiriert davon schuf er seine eigene, beeindruckende italienische Schmucksammlung, in der er eine Vielzahl der unten dargestellten archäologischen Revival-Techniken meisterhaft einsetzte. Es wird angenommen, dass der Vatikan Castellani nicht nur wegen seines Talents auswählte, sondern auch, weil man ein Gefühl nationalen Stolzes und Schmuck schaffen wollte, der mit italienischer Handwerkskunst gleichgesetzt wird.
Archäologische Revival-Halskette, Castellani, um 1880, Quelle – The Metropolitan Museum of Art
Die stilistischen Merkmale etruskischer Revival-Stücke umfassen Cannetille, Muschelelemente, Mikromosaik, gefasste Edelsteine, kunstvolle Goldarbeiten, filigrane Goldgerüste und das griechische Schlüsselmuster.
Victorian 15ct Gold Split Pearl Greek Key Emaille-Armband, um 1850er Jahre, Quelle – Skinner Inc Auctions
Hellenistischer Schmuck
Hellenistischer Schmuck überschneidet sich stark mit etruskischem Schmuck, da beide überwiegend in denselben Zeiträumen entstanden. Die hellenistische Epoche umfasst die Geschichte des Mittelmeerraums zwischen dem Tod Alexanders des Großen 323 v. Chr. und dem Aufstieg des Römischen Reiches 31 v. Chr.
Hellenistisch beschreibt einen Großteil des antiken griechischen Stils, der sich in klassischer Skulptur, Säulen, Tempeln, der Verehrung mehrerer Gottheiten und vielem mehr manifestierte. Die Kunst dieser Epoche markierte einen Wandel von den komponierten und idealisierten Figuren der klassischen Antike hin zu einer realistischeren und emotionaleren Ausdrucksweise. Zudem wurde der weibliche Akt in den Kunstwerken zunehmend präsenter.
Griechische Goldscheiben-Ohrringe mit hängenden Eroten, 3.–2. Jahrhundert v. Chr., Quelle – The Metropolitan Museum of Art
Hellenistischer Revival-Schmuck kann auch als neoklassizistischer Schmuck betrachtet werden, bei dem eine Rückkehr zur idealisierten, symmetrischen und harmonischen Komposition der Stücke stattfand, was mit der Aufklärung (1715–1789) in Großbritannien und der Betonung der Vernunft einherging. Hellenistische Revival-Stücke entstanden sowohl in der Georgian- als auch in der Victorian-Periode, da die Georgian-Ära mit der Aufklärung zusammenfiel.
Sardonix-Kamee-Anhänger mit der Darstellung von Nessus, der Dejanira entführt, Guiseppe Girometti, um 1815–1825, Quelle – The Metropolitan Museum of Art
Die stilistischen Merkmale des hellenistischen Revivals sind Figuren aus der griechischen Mythologie, romantische Akte von Frauen, die zart mit Musselin verhüllt sind, gebänderte Achate, spiralförmige Armreifen und geflochtene Golddetails.
Paar griechische Goldarmbänder, um 200 v. Chr., Quelle – The Metropolitan Museum of Art
Ägyptischer Schmuck
Schmuck im ägyptischen Revival-Stil (1920er, 1960er/70er Jahre) spiegelte das erneute Interesse an den Schmuckstilen des alten Ägyptens wider. Mit Hieroglyphen, Skarabäen, Schilfrohr- und Lotusblütenmotiven wurde das ägyptische Revival durch die Entdeckung altägyptischer Gräber, insbesondere des Grabes von Tutanchamun im Jahr 1922.
Ägyptische Revival-Brosche, Theodore B. Starr, um 1900, Quelle – The Metropolitan Museum of Art
Ägyptischer Revival-Schmuck wurde sowohl in der Victorian- als auch in der Art Deco-Periode geschaffen. Besonders berühmt sind die Stücke, die Cartier in den 1930er bis 1940er Jahren fertigte. Sie zeichneten sich häufig dadurch aus, verwendete leuchtend farbige Edelsteine wie Lapislazuli, Karneol und Smaragde, kontrastiert mit den unverkennbaren monochromen Favoriten des Art Deco: Onyx und Diamanten!
Techniken des archäologischen Revival-Schmucks
Es gibt eine Vielzahl wunderschöner und kunstvoller Techniken, die den archäologischen Revival-Schmuck auszeichnen. Die meisten dieser Techniken werden gemeinsam oder abwechselnd eingesetzt; viele, wie Granulation, Cannetille, Mikromosaik und mythologische Motive, sind stilistische Merkmale, an denen man ein Stück als archäologisches Revival erkennt.
Mikromosaik-Schmuck
Mikromosaik-Schmuck ist ein Markenzeichen des etruskischen Revivals und des neoklassizistischen Schmucks. Er wurde häufig von Castellani verwendet, dem berühmten italienischen Juwelier, der exklusiven Zugang zu etruskischem Antikschmuck hatte.
Mikromosaik-Schmuck ist in der Welt des antiken Schmucks zunehmend begehrt und wird auch heute noch gefertigt. Dies gilt sowohl für die florentinische Pietra Dura und venezianisches Mosaik. Das venezianische Mosaik besteht aus winzigen, farbigen Glasstücken, sogenannten Tesserae, die aus speziellem venezianischem Glas gefertigt und in exklusiven venezianischen Werkstätten unter päpstlicher Aufsicht hergestellt wurden. Pietra Dura unterscheidet sich lediglich dadurch, dass es überwiegend in Florenz entstand und aus hochglanzpolierten, farbigen Steinen gefertigt wurde!
Mikromosaik-Stücke wurden häufig vom Vatikan gefertigt, sofern eine großzügige Spende einging, was bedeutete, dass Mikromosaik-Schmuck meist im Besitz sehr wohlhabender Mäzene war.
Die Bildsprache dieser Mosaike spiegelt das Interesse an klassischen Themen wider – von pastoralen Szenen bis zu mythologischen Gestalten. So ließen sich beispielsweise Victorians während ihrer Italienreisen häufig solche Stücke als kostbare Souvenirs anfertigen, insbesondere während der Grand Tour.
Die Grand Tour galt als unverzichtbares Initiationsritual für junge Aristokraten, die unter Begleitung durch Europa reisten, um Geschichte, Kunst, Sprache und Philosophie zu studieren. Viele dieser jungen Männer erwarben oder ließen solche Stücke für sich selbst oder ihre Liebsten anfertigen, sodass Schmuck im archäologischen Stil zum Zeichen von Bildung und kultiviertem Geschmack wurde.
Innenraum des Pantheons in Rom, Giovanni Paolo Panini, um 1734, Quelle – Wikimedia Commons
Ein einziger Blick auf ein mit Mikromosaik verziertes Schmuckstück genügt, um die Fülle an filigraner Handarbeit zu erkennen, die darin steckt. Als wahres Kunstwerk geschätzt, lässt sich nur erahnen, wie viele Stunden in die Entstehung dieser Preziosen geflossen sind.
Metall, Marmor oder Blei wurden häufig verwendet, um die Tesserae in ihren bezaubernden Mustern zu fixieren. Besonders schwarzer Marmor kam oft zum Einsatz und bildete einen wirkungsvollen Kontrast zu den farbenfrohen Elementen, wodurch Lebendigkeit entstand.
Die italienische Schmuckmarke Le Sibille ehrt diese antike Kunst, indem sie sie in traditionelle wie auch zeitgenössische Schmuckstücke einfließen lässt.
Granulation
Granulation ist eine Goldschmiedetechnik, bei der die Oberfläche eines Schmuckstücks mit winzigen Kugeln oder Granulat aus Edelmetall bedeckt wird.
Es wird angenommen, dass die Granulation erstmals von den Etruskern angewandt und später auch von griechischen Kunsthandwerkern weit verbreitet genutzt wurde. Diese kunstvolle und eindrucksvolle Verzierungstechnik kennt drei verschiedene Stilrichtungen: den Outline-Stil, den Silhouettenstil und den reservierten Silhouettenstil. Die Unterschiede zwischen diesen Stilen liegen in der Platzierung der granulierenden Details.
Der Prozess, die Granulatkügelchen herzustellen und sie auf der Metalloberfläche zu befestigen, ist äußerst präzise und anspruchsvoll – daher erfordert er höchste technische Fertigkeit. Viele talentierte Victorian Juweliere und Goldschmiede unterzogen sich einer intensiven Ausbildung, um diese von den Etruskern bevorzugte Technik zu perfektionieren.
Obwohl Granulation vor allem im etruskischen Schmuck verwendet wurde, zeigen auch erhaltene Relikte indischer und koreanischer Schmuckkunst diese aufwendige und raffinierte Technik – wie das Bild dieser prachtvollen koreanischen Goldohrringe oben eindrucksvoll belegt!
Cannetille-Schmuck
Nicht zu verwechseln mit Goldfiligranarbeiten: Cannetille-Schmuck wird aus feinen Golddrähten oder dünn gehämmerten Blechen gefertigt, die auf das Schmuckstück aufgelötet werden. Cannetille wurde entworfen, um feine Stickereien auf Schmuck zu simulieren und ihm einen opulenten, kunstvollen Charakter zu verleihen.
Cannetille-Techniken finden sich in zahlreichen europäischen Schmuckkreationen der 1820er und 1830er Jahre und wurden besonders bei der Anfertigung etruskischer Revival-Stücke bevorzugt. Obwohl die Herstellung von Cannetille arbeitsintensiv war, bot sie eine vergleichsweise erschwingliche Möglichkeit, Schmuck kunstvoll zu verzieren – ein Grund, warum sie in Victorian Schmuck so weit verbreitet war.
Mythologische Überlieferungen, Kameen und Intaglien
Natürlich waren die Victorians und Georgians vom Zauber vergangener Zeiten fasziniert, und mythologische Symbole und Motive wurden in Revival-Stücken häufig dargestellt. So wurden beispielsweise Porträts des Hermes in Quarz-Siegel graviert und goldene Creolen in Widderköpfe geformt, um die Götter zu ehren.
Kameen waren eine beliebte Möglichkeit, allegorische und mythologische Gestalten aus der römischen und griechischen Welt darzustellen; ihr Alabaster-Charakter unterstrich ihre klassische Ausstrahlung. Antike und Revival-Kamee-Stücke wurden sowohl aus Glas, Hartstein als auch aus Muscheln gefertigt. Tatsächlich entstanden einige Kameen sogar aus der Lava des Vesuvs – wie außergewöhnlich und zauberhaft!
Darüber hinaus war die Victorianische Epoche eine Zeit, in der sich wissenschaftlich fundierte Überzeugungen gegenüber religiösen Glaubenssätzen durchzusetzen begannen, was zu großer Unsicherheit und Unruhe im Hinblick auf Religion führte. Es lässt sich vermuten, dass manche Victorians Trost in den religiösen Praktiken früherer, pantheistischer Gesellschaften (mit mehreren Göttern, Göttinnen und Gottheiten) fanden, anstatt in monotheistischen Religionen (mit einem höchsten Schöpfer).
Ungeachtet dieser religiösen Unsicherheiten wurden mythologische Gottheiten zum Inbegriff von Eleganz, geistiger Raffinesse und einer Intelligenz, die aus einer anderen Welt zu stammen schien.
Halskette mit Satyrkopf-Anhängern, Carlo Guiliano, um 1870, Quelle – The Metropolitan Museum of Art
Filigran-Schmuck
In unserer Blogreihe „Jewellery Around the World“ widmen wir uns der Kunst der Filigranarbeit im Kontext traditioneller portugiesischer und iberischer Schmuckkunst. Doch Filigran ist auch in archäologischen Revival-Stücken stark vertreten. So wurden antike Filigran-Schmuckstücke in den Überresten Mesopotamiens, in altägyptischen Funden sowie im antiken Zypern und Sardinien entdeckt. Schmuckhistoriker sind überzeugt, dass Filigranarbeiten in den antiken griechischen und etruskischen Gesellschaften des 6. bis 3. Jahrhunderts v. Chr. eine außergewöhnliche Raffinesse erreichten.
In den aktuellen Sammlungen des Louvre und des British Museum finden sich zahlreiche dieser Stücke, die vor allem in Mittelitalien entdeckt wurden.
Selbstverständlich ahmten Revival-Stücke, die im 19. Jahrhundert entstanden, diese antike Kunstform nach.
Hochkarätiges Gold und leuchtende Edelsteine
Einer der wohl faszinierendsten Aspekte etruskischen und archäologischen Revival-Schmucks ist die Verbindung von leuchtendem Gold und intensiven Edelsteinen. Von den sinnlichen Nuancen traubenfarbener Granat-Cabochons bis zu belebenden Türkisen – Edelsteine wie diese, ebenso wie Amethyste, Smaragde, Lapislazuli und natürlich Diamanten, waren häufig in Revival-Schmuck zu finden. Schmuckkünstler setzten zudem farbenfrohe Emaille-Einlagen ein, inspiriert von Pflanzen, Tieren, Göttern und Göttinnen wie Aphrodite, Eros, Nike und Zeus.
Der Kontrast der Farbtöne, insbesondere bei Schmuck aus hochkarätigem Gold, ist ein wahrer Augenschmaus.
Zeitgenössische archäologische Schmuckstile und ihre Präsenz im heutigen Schmuckdesign
Natürlich lieben wir es, unsere antiken Kostbarkeiten mit modernen Schmuckstücken und unserem zeitgenössischen Stil zu kombinieren.
Victorian Etruscan Revival Goldmedaillon mit Diamant in der Mitte - Lillicoco Archiv verkaufter Stücke.
Vor diesem Hintergrund ist das archäologische Revival in vielerlei Hinsicht die perfekte Wahl. Nichts ist wahrhaft faszinierender als die Vergangenheit, insbesondere Stücke aus uralten Kulturen, die Jahrtausende zurückreichen – und Revival-Schmuck eröffnet ein Fenster zu dieser Welt.
Tatsächlich haben wir festgestellt, dass zahlreiche Schmuckdesigner und -marken aus dem gehobenen wie auch dem Mainstream-Segment sowohl wörtliche als auch thematische Inspiration aus diesen antiken Kulturen schöpfen. Ob es sich um italienische, griechische oder ägyptische Marken handelt oder um solche, die lediglich von mythologischen Erzählungen inspiriert sind – der Zauber, der diese Stile und Stücke umgibt, scheint niemals zu vergehen.
Lillicoco Silberner Skarabäus-Anhänger & Kette.
In mancher Hinsicht gilt das Tragen bestimmter archäologischer Schmuckstile als feministische Aussage, insbesondere bei Stücken, die die weibliche Form zelebrieren. Viele Schmuckdesigner und Marken wie Hermina Athens integrieren Porträts griechischer Göttinnen in ihre Kreationen. Zudem begegnen uns Motive der weiblichen Gestalt, die an die berühmte Venus von Milo erinnern. Dies wird durch Bezeichnungen wie „Venus-Anhänger“ unterstrichen, die nicht nur die Göttin ehren, sondern auch ausdrücken, dass das Tragen einer Göttin eine Rückeroberung des weiblichen Körpers und ein Akt der Selbstliebe ist.
Ganz gleich, wie Sie Ihr archäologisches Revival-Schmuckstück tragen – es ist unbestreitbar, dass diese prachtvollen und lebendigen Schätze der Vergangenheit heute ebenso faszinieren wie einst.
Wir präsentieren Ihnen eine wundervolle Auswahl handverlesener Stücke Etruskische Revival-Stücke, und einige Auch Stücke im ägyptischen Revival-Stil! Stöbern Sie gerne in unserer Auswahl und teilen Sie uns mit, welche Ihre Favoriten sind!