Anlässlich des Internationalen Frauentags am 8. März haben wir uns dazu entschlossen, einen genaueren Blick auf die vergessenen Schmuckkünstlerinnen der Geschichte zu werfen. Es ist kein Geheimnis, dass die Errungenschaften im Design und in der Kunstgeschichte überwiegend von weißen Männern geschaffen oder ihnen zugeschrieben wurden. Dies lag vor allem daran, dass Frauen nicht die gleichen Bildungsmöglichkeiten erhielten, da sie auf den häuslichen Bereich beschränkt waren.
In der Welt des Schmucks hört man von den Erfolgen von Rene Lalique, Louis Comfort Tiffany und Sotiros Bulgari, doch wenig von den Frauen, die den Schmuck entwarfen oder die Schmuckhäuser selbst gründeten. Dennoch fertigten Frauen bereits in der Geschichte Schmuck an, und es gab zahlreiche etablierte Schmuckkünstlerinnen in einer Zeit, in der Frauen selten außerhalb des häuslichen Rahmens sichtbar waren. Lehrlinge und Kunsthandwerker in Schmuckmanufakturen waren ebenso häufig Frauen wie Männer, doch ihre Leistungen gerieten in den Schatten.
Mit diesem Gedanken laden wir Sie ein, weiterzulesen und mehr über Schmuckkünstlerinnen, Direktorinnen und Designerinnen zu erfahren, die einen maßgeblichen Einfluss auf die Schmuckstücke hatten, die wir heute erwerben.
Phoebe Anna Traquair
Phoebe Anna Traquair (1852–1936) war eine in Irland geborene Künstlerin, die für ihr Engagement in der Arts and Crafts-Bewegung in Schottland bekannt ist. Bemerkenswert ist, dass Traquair 1920 als erste Frau in die Royal Scottish Academy aufgenommen wurde.
Traquair war fasziniert von und beeinflusst durch Dante Gabriel Rossetti und William Blake, was zweifellos ihre Schmuckkreationen prägte. Darüber hinaus schuf Traquair auch andere Kunstformen und fertigte bestickte textile Auftragsarbeiten für Krankenhäuser und Kathedralen an.
Cupid the Earth Upholder, emaillierter Goldanhänger, Phoebe Anna Traquair, um 1902, Quelle – The Victoria and Albert Museum
Traquairs Schmuckarbeiten sind von außergewöhnlicher Schönheit. Sie setzte vor allem Emaille-Techniken ein und schuf detailreiche, romantische Reliefs von höchster Raffinesse.
Elsa Peretti
Elsa Peretti (1940–) ist eine italienische Schmuckdesignerin und ehemalige Modemodel. Sie hat umfangreich für Tiffany and Co entworfen; viele ihrer Stücke befinden sich heute in den Sammlungen des British Museum sowie des Museum of Fine Arts in Boston und Houston.
Peretti erwarb ihr handwerkliches Können und ihr künstlerisches Gespür zunächst durch eine Laufbahn im Interior Design und in der Architektur. 1969, nach fünf Jahren als Model, begann sie, neue Schmuckstile für verschiedene Modedesigner in New York zu entwerfen.
Silberne Schlangenkette, Elsa Peretti, um 1973–34, Quelle – Metropolitan Museum of Art
1974 unterzeichnete Peretti einen Vertrag mit Tiffany and Co, und bereits 1979 war sie deren führende Designerin. Peretti arbeitete ausschließlich mit Silber, das zunächst als „gewöhnlich“ galt, doch sie machte das Metall bei den New Yorker Society-Ladies der 1980er Jahre äußerst begehrt. Ihre Silberstücke galten als verspielt und zogen ein jüngeres Publikum an.
Perettis charakteristische Silberkreationen verwenden häufig Jade, Lack und Rattan.
Suzanne Belperron
Suzanne Belperron (1900–1983) war eine äußerst einflussreiche Schmuckdesignerin des 20. Jahrhunderts. In Paris ansässig, arbeitete Belperron vor Ausbruch des Zweiten Weltkriegs für die Schmuckhäuser Boivin und Herz. Anschließend übernahm sie das Unternehmen Herz und benannte es in Herz-Belperron um!
Goldohrringe, Suzanne Belperron, um 1955–1970, Quelle – The Victoria and Albert Museum
Suzannes Talent für die Schmuckherstellung wurde schon in jungen Jahren geschult. Sie wurde in der Stadt Saint-Claude im ländlichen Frankreich geboren, die für ihr traditionelles Handwerk des Edelsteinschleifens bekannt war. Während der langen Wintermonate beteiligten sich alle Einwohner an der Arbeit, um das Geschäft zu unterstützen. Suzannes Mutter erkannte das Talent ihrer Tochter und meldete sie an der École des Beaux-Arts in Besançon an.
Als Suzanne nach Paris zog, wurde sie Lehrling bei Jeanne Boivin im französischen Schmuckhaus Boivin. Ihre Kreationen zeichneten sich durch geschwungene Formen und höchste Qualität aus und bildeten einen Kontrast zur Art Deco-Ästhetik jener Zeit. Anders als viele Frauen damals stieg Suzanne bereits mit 23 Jahren zur Co-Direktorin des Schmuckhauses Boivin auf.
Im Jahr 1932 jedoch trat Belperron zurück. Es wird angenommen, dass dies daran lag, dass sie für ihre Arbeit nicht gewürdigt wurde – eine Praxis, die in Schmuckhäusern damals unüblich war. Unmittelbar darauf begann sie für Bernard Herz, einen renommierten Pariser Edelsteinhändler, zu arbeiten, der ihr die Freiheit gab, eigene Kreationen zu entwerfen.
In den 1930er Jahren verschaffte ihr originelles Schaffen der Marke Herz Ruhm und Anerkennung, und Belperron wurde rasch zu einer bedeutenden künstlerischen Persönlichkeit Frankreichs. Ihre Arbeiten erschienen in Modezeitschriften neben Namen wie Cartier, Boucheron sowie Van Cleef and Arpels.
Belperrons Werk spielte mit Motiven und Designs, die von den fernen Kulturen Ägyptens, Ostindiens, Chinas, Japans, Afrikas und Ozeaniens inspiriert waren. Sie war eine Pionierin der Technik, Edelsteine in Halbedelmaterialien zu fassen, und bevorzugte 22-karätiges Gold gegenüber höherer Reinheit. Belperron signierte ihre Stücke nie, da sie davon überzeugt war, dass die Originalität des Schmuckstücks selbst dessen Echtheitsmerkmal sei.
Aufgrund der jüdischen Herkunft von Bernard Herz und der Besetzung von Paris übernahm Belperron die vollständige Kontrolle über die Marke Herz. Dennoch wurde sie zeitweise von der Gestapo wegen Bernard Herz und seiner Kontakte verhaftet und verhört. Als äußerst loyale Freundin soll Belperron angeblich die Seiten seines Adressbuchs einzeln verschluckt haben, damit der Aufenthaltsort seiner Familie nicht entdeckt werden konnte.
Nach dem Tod von Bernard Herz in Auschwitz nahm Belperron die geschäftliche Beziehung mit seinem ältesten Sohn wieder auf.
Für ihre Schmuckaufträge war Belperron dafür bekannt, das Leben ihrer Kundinnen genau zu verstehen, die Konturen ihres Gesichts, ihren Teint und die Form ihrer Hände zu studieren. Nach dem Tod ihres Ehemanns beschlossen Belperron und Herz, das Unternehmen Herz-Belperron in den 1970er Jahren zu liquidieren und aufzulösen. Dennoch brachte Belperrons Ansehen als Schmuckdesignerin und Mitglied der Résistance ihr die Auszeichnung der Légion d’Honneur ein.
Jeanne Boivin, Juliette Moutard und Germain Boivin
Viele schreiben die Marke Boivin dem Werk von Rene Boivin zu, doch seine Ehefrau Jeanne spielte eine bedeutende und einflussreiche Rolle im Unternehmen. Als Schwester des hochgeschätzten Pariser Couturiers Paul Poiret verfügte Jeanne Boivin über zahlreiche Verbindungen in die Modewelt, was der Marke Boivin eine erlesene Klientel sicherte. Im Jahr 1917 jedoch verstarb Rene Boivin und hinterließ Jeanne als Inhaberin.
Im gesamten Unternehmen als Madame Boivin bekannt, wurde Jeanne zur führenden Designerin der Firma. Ihr Stil zeichnete sich durch farbenfrohen, symmetrischen, großformatigen und texturierten Schmuck aus, der häufig in Gelbgold gearbeitet wurde. Ähnlich wie Belperron signierte Madame Boivin ihre Schmuckstücke nie und betrieb kein Ladengeschäft, sondern empfing ausschließlich nach Terminvereinbarung in einem Pariser Salon.
Bemerkenswert ist, wie das Vertrauen in Belperron zeigt, dass Madame Boivin es bevorzugte, Frauen als Juwelierinnen in ihrem Unternehmen zu beschäftigen. Nach Belperrons Weggang stellte Madame Boivin Juliette Moutard sowie ihre Tochter Germaine Boivin ein. Diese drei Frauen, ebenso wie Belperron, stärkten das Haus Boivin maßgeblich. Zu den berühmtesten Kreationen von Moutard innerhalb des Unternehmens zählt die Seestern-Brosche, gefertigt aus Amethyst- und Rubin-Cabochons.
Marina B
Marina B, auch bekannt als Marina Bulgari, war in den 1970er und 1990er Jahren eine renommierte Schmuckdesignerin, die für anspruchsvolle Kunden opulente, außergewöhnliche und farbenprächtige Schmuckstücke schuf. 1976 verließ Marina das berühmte Familienhaus, um ihre eigene Schmuckmarke zu gründen; ihr mutiger, zeitloser Stil wurde rasch erkannt und bewundert.
Marina B entwickelte ihren eigenen Edelsteinschliff, den sogenannten 'Chestnut', und war Vorreiterin innovativer Designtechniken wie Federfassungen, Pavé-Diamanten und austauschbarer Elemente.
Vivienne Westwood
Vivienne Westwood zählt zu den berühmtesten britischen Modedesignerinnen und prägte maßgeblich die britische Punkbewegung der 1970er Jahre. Obwohl sie vor allem für ihr politisches Engagement und ihre Mode bekannt ist, wurden ihre Schmuckkreationen bislang wenig beachtet.
Tatsächlich wagte Westwood ihre ersten Schritte im Designbereich über den Schmuck und belegte einen Kurs für Schmuckgestaltung und Silberschmiedekunst an der Westminster University. Nach nur einem Semester brach sie jedoch ab, da sie sich von den meist aus höheren Kreisen stammenden Kommilitonen entfremdet fühlte. Als Grundschullehrerin fertigte Westwood weiterhin eigene Schmuckstücke an, die sie auf der Portobello Road verkaufte. Dort begegnete sie Malcolm Mclaren, einem Musiker, Modedesigner und Manager der Punkband Sex Pistols.
Coco Chanel
Wie Vivienne Westwood ist Coco Chanel eine legendäre Modedesignerin, die vor allem für ihren Einfluss auf die Modewelt und weniger für Schmuck bekannt ist. Dennoch wurde Coco Chanel in unserem Blog über prägende Schmuckpersönlichkeiten gewürdigt, da sie die öffentliche Wahrnehmung von Kostümschmuck grundlegend veränderte.
Chanel entwarf das heute ikonische Chanel-Malta-Kreuz, das seither ein fester Bestandteil der Chanel-Schmuckkollektion geblieben ist.
Im Jahr 1932 entwarf Coco Chanel ihre erste Haute Joaillerie-Linie, bijoux Diamants, die von den damaligen Schmuckdesignern aufgrund ihrer Kostümschmuckstücke zunächst kritisch aufgenommen wurde. Dennoch belebte und stärkte diese Kollektion während der Depressionsjahre den Diamantenhandel nachhaltig.
Line Vautrin
Als Künstlerin der Nachkriegszeit schuf Line Vautrin (1913–1997) bereits in jungen Jahren Schmuck und dekorative Objekte; ihre ersten professionellen Arbeiten entstanden, als sie gerade einmal 21 Jahre alt war. Ihr Werk zeichnet sich durch abstrakte, hieroglyphenartige Formen, visuelle Alliterationen und den großzügigen Einsatz von Gelbgold aus.
Mit ihrem entschieden modernistischen Stil erlangte Vautrin Berühmtheit, als sie 1937 einen Stand auf der Pariser Weltausstellung hatte. Ihre skulpturale Handschrift verschaffte ihr zahlreiche Auftraggeber, für die sie bis zu ihrem Tod im Jahr 1997 exklusive Stücke anfertigte. Der Erfolg auf dieser Ausstellung ermöglichte es ihr, ein eigenes Geschäft in der Rue de Berri in Paris zu eröffnen, in dem sie Schmuck aller Art kreierte.
Vautrins Liebe und natürliche Hinwendung zur Goldschmiedekunst und Metallbearbeitung war eine ungewöhnliche Berufung für eine junge Frau. Ihr Erfolg war nicht nur ihrem Talent zu verdanken, sondern auch ihrer Entschlossenheit und ihrem ausgeprägten Unabhängigkeitsdrang. Es wird angenommen, dass sie ihre Laufbahn bei Schiaparelli begann, das Unternehmen jedoch nach wenigen Tagen wieder verließ, da sie die strengen Vorschriften nicht akzeptieren konnte.
1948 von Vogue als „Poetin des Metalls“ bezeichnet, entwickelte sich Vautrins Werk stetig weiter. Sie zog in größere Räumlichkeiten im Marais, die sie in eine Werkstatt und einen Präsentationsraum verwandelte. In den 1960er Jahren begann sie, mit neuen Materialien wie Celluloseacetat zu arbeiten, das damals auf den Markt kam. In dieser Zeit schuf sie ihre beeindruckenden, sonnenähnlichen Spiegel.
Es war bekannt, dass Vautrin den mühsamen und zeitaufwendigen Prozess der Spiegelherstellung liebte. Sie interessierte sich für die Kunst der Alchemie und die Kosmologie des Lebens – die Verbindung zweier urtümlicher Substanzen, die durch Berührung, Gegensatz und Auseinandersetzung etwas Schönes hervorbringen.
Wendy Ramshaw
Ramshaw wurde zu Beginn des Zweiten Weltkriegs in Sunderland geboren und zeigte schon früh Interesse an Kunst und Handwerk, indem sie bereits im Alter von sechs Jahren kleine Schmuckstücke aus Restmaterialien fertigte. Die Zeit der Rationierung und Entbehrung konnte ihr künstlerisches Talent nicht aufhalten.
Nach dem Krieg führte das euphorische Lebensgefühl in Großbritannien zum Festival of Britain im Jahr 1951, an dem die damals zwölfjährige Ramshaw teilnahm. Diese Ausstellung feierte die historischen Errungenschaften der Briten in Wissenschaft, Landwirtschaft, Literatur, Kunst und Industrie. Die Begegnung mit moderner Kunst und Gestaltung gab Ramshaw den Anstoß, ihr Handwerk zu verfolgen. Sie studierte von 1956 bis 1960 Illustration und Stoffdesign in Newcastle und wechselte 1961 an die Universität Reading.
Hier begegnete Ramshaw ihrem späteren Ehemann David Watkins, einem weiteren berühmten britischen Künstler, der die Medaillen der Olympischen Spiele 2012 in London entwarf. Gemeinsam widmete sich das Paar ihren handwerklichen Arbeiten und Kooperationen. In den 1970er Jahren erwarb der künstlerische Leiter Graham Hughes einige von Ramshaws Stücken für die Goldsmiths Hall, was ihrer Karriere entscheidenden Auftrieb verlieh.
Ramshaw wurde sowohl zum Fellow der Chartered Society of Designers als auch der Royal Society of Arts ernannt und gehörte zu den ersten Frauen, die als Freeman der Worshipful Company of Goldsmiths aufgenommen wurden. 1993 wurde ihr für ihre Verdienste um die Künste der OBE verliehen, 2003 folgte der CBE.
Paloma Picasso
Die Tochter von Pablo Picasso und Françoise Gilot, Paloma, ist eine renommierte Schmuckdesignerin und -herstellerin für Tiffany and Co. Es überrascht nicht, dass die Tochter zweier der bekanntesten Künstlerpersönlichkeiten ihr Talent geerbt hat. Ursprünglich als Kostümbildnerin tätig, fand Paloma 1968 eher zufällig den Weg in die Schmuckwelt, als einige ihrer mit Strasssteinen verzierten Kostümentwürfe die Aufmerksamkeit von Kritikern auf sich zogen. Daraufhin entschied sie sich für eine formale Ausbildung im Schmuckdesign.
Ein Jahr später, 1969, präsentierte sie ihre ersten Schmuckkreationen ihrer Freundin und dem berühmten Couturier Yves Saint Laurent, der sie daraufhin sofort beauftragte, Accessoires für eine seiner Kollektionen zu entwerfen. 1980 begann Picasso, Schmuck für Tiffany & Co. zu gestalten.
Zwei amerikanische Museen, das Smithsonian Institution National Museum of History und das Field Museum of Natural History, haben ihre Werke in ihre Sammlungen aufgenommen.
Alma Pihl
In der Geschichte beinahe vergessen: Alma Theresia Pihl-Klee (1888–1976) war eine von nur zwei Designerinnen bei Fabergé. Als Tochter des Goldschmieds Knut Oskar Pihl und Enkelin des Fabergé-Chefjuweliers August Holmström war ihr das Schmuckhandwerk in die Wiege gelegt. Alma Pihl begann 1909 für Fabergé zu arbeiten und kam als autodidaktische Designerin zum Metier. Ihre Aufgabe in der Werkstatt war es, die gefertigten Stücke zu dokumentieren, indem sie eine maßstabsgetreue Zeichnung anfertigte, die verwendeten Edelsteine und Materialien festhielt und zudem die Kosten notierte.
Obwohl diese Arbeit zeitaufwendig war, gelang es Pihl dennoch, Entwürfe zu gestalten, die schließlich die Aufmerksamkeit ihres Onkels auf sich zogen, der ebenfalls in der Firma tätig war. Er bat die Werkstatt, ihre Designs neben seinen eigenen anzufertigen. So wurde sie die erste weibliche Designerin bei Fabergé.
Ihr großer Durchbruch kam, als Dr. Emanuel Nobel 40 Broschen als Geschenke für seine Kunden in Auftrag gab – mit der Vorgabe, dass diese aus „unbedeutenden“ Materialien gefertigt sein sollten, um nicht als Bestechung zu gelten. Pihl ließ sich von den frostigen Schneeflocken auf dem Fenster inspirieren und entwarf Broschen in Fassungen aus Platin-Silber-Legierung mit Rosenschliff-Diamanten. Diese Broschen waren ein voller Erfolg beim Kunden, woraufhin er zahlreiche weitere Schmuckstücke mit demselben Motiv bestellte.
Pihl entwarf das berühmte Winter-Osterei im Jahr 1913 und das Mosaik-Osterei im Jahr 1914; Letzteres befindet sich heute in der königlichen Sammlung von Königin Elizabeth I. Das Winter-Osterei wurde in Auftrag gegeben, um das 300-jährige Jubiläum der Romanow-Dynastie zu feiern, und gilt als das wertvollste aller Ostereier. Dieses Ei besaß eine eisverzierte Außenseite, die sich öffnete und einen Platin-Blumenkorb enthüllte, mit Anemonen aus weißem Quarz, Demantoid-Granaten und Nephritblättern.
Das Mosaik-Osterei wurde ursprünglich für Zar Nikolaus II. von Russland gefertigt. Das florale Tapisseriemuster, das das Ei umhüllt, wurde von Pihl entworfen, der sich von den kunstvollen Nadelarbeits-Feuerschirmen inspirieren ließ, wie sie in den aristokratischen Salons jener Zeit zu finden waren.
Das Mosaik-Ei Fabergé, Quelle – The Royal Collection Trust
Elizabeth Gage
Elizabeth Gage ist eine vielfach ausgezeichnete Schmuckdesignerin, die seit über fünf Jahrzehnten hochbegehrte Schmuckstücke kreiert. Ihre einzigartigen Entwürfe ziehen kontinuierlich die Aufmerksamkeit von Modemagazinen und Persönlichkeiten auf sich, und einige ihrer Werke sind Teil der ständigen Sammlung des Victoria and Albert Museum in London.
Porträt von Elizabeth Gage, Quelle – Wikimedia Commons
Laut der Webseite der Designerin entwickelte sich Gages Liebe zum Design bereits in jungen Jahren, als sie sich damit vergnügte, Häuser, Kleidung und andere Gegenstände für ihre Puppen zu gestalten. Diese manuelle Geschicklichkeit und ihr geschultes Auge sollten sich später als äußerst wertvoll erweisen. Sie absolvierte eine sechsjährige Ausbildung zur Goldschmiedin und erhielt 1968 ihren ersten bedeutenden Auftrag von Cartier. Im Laufe ihres Lebens wurde sie mit zahlreichen Preisen geehrt, darunter der Queen’s Award for Export, der Titel British Jewellery Designer of the Year sowie der De Beers Diamond Award für ihren Agincourt-Ring.
Gage arbeitet ausschließlich mit 18-karätigem und 22-karätigem Gold. Ihr gestalterischer Ansatz entspringt allein der Inspiration, die aus den von ihr ausgewählten Materialien und Edelsteinen erwächst, wodurch eine Fülle charaktervoller, individueller Schmuckstücke entsteht. Ihre Philosophie ist, dass all ihre Kreationen vom Tag bis in die Nacht getragen werden können.
Turmalin, Aquamarin, Rubine, Perlgold und Emaille-Brosche, Elizabeth Gage, um 1972–1973, Quelle – The Victoria and Albert Museum
Elizabeth Treskow
Elizabeth Treskow, geboren 1898, besuchte im Alter von 16 Jahren zweimal wöchentlich die Silberschmiedeschule in Hagen. Anschließend schrieb sie sich 1915 an der Handwerksakademie in Essen ein und begann eine Lehre als Goldschmiedin bei dem berühmten Professor Karl Rothmüller.
Mit großer Hingabe widmete sie sich dem Experiment, die Kunst der Granulation neu zu entdecken, und erlangte rasch zahlreiche Auszeichnungen, darunter den ersten Preis der Deutschen Gesellschaft für Goldschmiedekunst in den Jahren 1933, 1935 und 1936. 1937 wurde ihr auf der Pariser Weltausstellung die Goldmedaille verliehen. Im Jahr 1938 war sie die erste Frau, die von der Deutschen Gesellschaft für Goldschmiedekunst den Ehren-Goldring erhielt.
Elizabeth Treskow zögerte nicht, in von Männern dominierte Bereiche vorzudringen, und entwarf sowie fertigte die Fußballtrophäe der deutschen Bundesliga-Meisterschaft.
Nach dem Zweiten Weltkrieg wurde Treskow zur Leiterin der Gold- und Silberschmiedeklasse an der Handwerksakademie in Köln berufen. Trotz ihres protestantischen Glaubens erhielt sie den bedeutenden Auftrag, den Dreikönigenschrein im Kölner Dom zu restaurieren.
Treskows Schmuckaufträge orientierten sich stets an Persönlichkeit und Stil der Kundschaft. Anonyme Bestellungen lehnte sie ab; besonderes Interesse galt Haarfarbe und Teint, Gesichtsform und Händen der Kunden. Ihr Werk wandelte sich im Laufe ihres Lebens: Die frühesten Stücke zeigten klar kantige, geometrische Formen, während ihre späten Arbeiten opulente Kompositionen waren, die die Dekoration und das verwendete Material selbst feierten.
Nach ihrem Rückzug aus dem Lehrberuf wurde sie mit dem Deutschen Verdienstkreuz sowie dem Staatspreis für das Kunsthandwerk Nordrhein-Westfalens ausgezeichnet.
Charlotte Newman
Charlotte Newman, eine Juwelierin des 19. Jahrhunderts, bahnte sich ihren Weg in einer ausgeprägt männlich dominierten Welt. Sie entwarf nicht nur eigene, stilvolle und modische Schmuckstücke, sondern führte auch ihr eigenes Geschäft in der Savile Row.
Charlotte Newmans Schmuck ist heute an ihrem Stempel „Mrs N“ erkennbar. Obwohl sie durch das Entwerfen und den Verkauf eigener Schmuckstücke modern und subversiv agierte, soll sie dennoch – wie es der Zeit entsprach – ihrem Ehemann Rechenschaft abgelegt haben. Nach heutigen Maßstäben wäre dies als antifeministisch zu bewerten, doch die Signatur „Mrs“ als Punze ist ein entscheidendes Unterscheidungsmerkmal, das zeigt, dass eine Frau diese Stücke fertigte, und zugleich eine Hommage an die Konvention – ein kluger Schachzug.
Newmans Schmuckkreationen waren unverkennbar im viktorianischen Stil gehalten, inspiriert von der Vergangenheit durch die Einbindung antiker byzantinischer Stile, Renaissance-Revival-Techniken bis hin zu Art Nouveau-Formen.
Über Newmans frühes Leben ist wenig bekannt, doch ihre Ausbildung zur Juwelierin begann, als sie bei dem Goldschmied John Brogden arbeitete. Zuvor hatte sie die Government Art School in South Kensington besucht. Nach Brogdens Tod im Jahr 1884 gründete sie ihr eigenes Schmuckgeschäft und behielt viele der Handwerker und Kunden bei. Es war für die damalige Zeit ungewöhnlich, dass nicht nur eine Frau ein eigenes Unternehmen führte, sondern auch eine Gruppe von Männern leitete.
Newman war in erster Linie eine Juwelierin, zugleich jedoch auch Künstlerin. Sie wiederholte ihre Entwürfe kaum je, sondern schuf für jeden Kunden etwas Neues und Aufregendes.
Margaret de Patta
Margaret de Patta war in den 1920er Jahren eine Schmuckkünstlerin, die Studio-Kunstschmuck schuf – ein Stil, der die kreative Ausdruckskraft in den Vordergrund stellte und oft Materialien von geringem wirtschaftlichem Wert verwendete. Ein Großteil des Studio-Kunstschmucks entstand in den 1940er und 1950er Jahren, doch lassen sich seine Werte und Techniken bis zur Arts and Crafts-Bewegung des 19. Jahrhunderts zurückverfolgen.
De Pattas Schmuck war bemerkenswert zeitgenössisch, in einer frischen Ausprägung geschaffen, die auch heute noch vollkommen aktuell wirkt. Ihre Kreationen integrierten häufig kinetische Elemente, optische Verzerrungen und alltägliche organische Materialien.
Während sie ihr Können in der Schmuckkunst erlernte und verfeinerte, war sie tief in die Strömungen der Moderne eingebunden und beschäftigte sich intensiv mit Bauhaus und Konstruktivismus – Einflüsse, die subtil in ihre Schmuckentwürfe einflossen.
Ihre ausdrucksstarken Werke fanden zunächst wenig Anklang, doch ihre modernistischen Stücke wurden von einer ausgewählten Gruppe von Kunstsammlern getragen, die erkannten, dass diese Kreationen neuartig und von außergewöhnlichem Wert waren.
De Patta arbeitete mit Lazlo Mohogly Nager, dem jüdischen Anführer der Konstruktivisten, der in seiner fotografischen und filmischen Arbeit Bewegung und Licht in den Vordergrund stellte. Dies inspirierte Margaret dazu, ihre Schmuckkunst in eine neue Richtung zu lenken.
Margaret de Patta Brosche, um 1934, Quelle – Wikimedia Commons
Was die Materialien betrifft, so interessierte sich De Patta kaum für facettierte Edelsteine, Glanz und Funkeln, wie sie häufig mit Schmuck assoziiert werden. Dennoch integrierte sie Quarz in ihre Entwürfe, fasziniert davon, wie dieses Mineral mit Licht spielt und es reflektiert.
Ihre biomorphen und raffiniert konstruierten Stücke fügen sich harmonisch in das Schaffen anderer Künstler ihrer Zeit wie Picasso, Ernst und Braque ein. De Patta ließ die Materialien für sich selbst sprechen, anstatt sie in Formen und Stile zu zwingen, die ihrem Wesen nicht entsprachen.
Margret Craver
Margret Craver war ebenfalls eine treibende Kraft in der amerikanischen Studio-Schmuckbranche. Wie De Patta ließ sich Craver von der Arts and Crafts-Bewegung inspirieren, die betonte, dass man in erster Linie Künstler ist – die gestalterischen Fähigkeiten und die Offenheit für die Welt der Kunst stehen im Zentrum der eigenen Identität, anstatt Schmuck lediglich als Auftragsarbeit für andere auszuführen.
Craver studierte in den 1930er Jahren an der Cranbrook Academy of Art sowie bei Baron Erik Fleming, dem Silberschmied des schwedischen Königs.
Margret Craver Brosche, Quelle – Museum of Fine Arts Boston
Interessanterweise wurden Veteranen während und zwischen den Kriegen ermutigt, sich mit Schmuckherstellung zu beschäftigen, um ihre Hand-Auge-Koordination zu verbessern und die Kraft in Armen und Händen zu stärken. Craver, die bei dem Schmuckhersteller Handy & Harman tätig war, überzeugte ihren Arbeitgeber, ihr die Durchführung von Workshops für die Veteranen zu gestatten.
Margret Craver Brosche, um 1969, Quelle – The Smithsonian American Art Museum
Durch Cravers Lehrtätigkeit wurden zahlreiche erfolgreiche postmoderne Schmuckkünstler hervorgebracht. Craver war bekannt für ihren unermüdlichen Einsatz für ihre Studierenden, wodurch sie maßgeblichen Einfluss auf die amerikanische Studio-Schmuckbewegung ausübte.
Jeanne Toussaint
Als Direktorin der Luxus-Schmuckabteilung von Cartier im Jahr 1933 prägte Jeanne Toussaint die Schmuckgestaltung nachhaltig. Unter ihrer Führung wandte sich Cartier von den abstrakten Deco-Entwürfen ab und hin zu den prachtvoll mit Edelsteinen besetzten, figürlichen Kreationen, die fortan das Haus charakterisieren sollten.
Toussaint ist verantwortlich für Cartiers berühmteste Schmuckstücke. Darunter der 1940 geschaffene „eingesperrte Vogel“ als Symbol gegen die nationalsozialistische Besetzung von Paris sowie ein weiteres Werk vier Jahre später am Tag der Befreiung von Paris: ein Käfig mit geöffneter Tür und ein Vogel im Flug.
Während ihrer Leitung des Hauses entwarf Toussaint exotische Flamingos, Panther und Papageien. Der Panther wurde rasch zum Markenzeichen und bekanntesten Symbol der Marke. Das elegante, kraftvolle Bild des Panthers sprach zahlreiche Frauen an, darunter die Herzogin von Windsor, die Herzogin von Agha Khan und Barbara Hutton.
Elsa Schiaparelli
Eine der berühmtesten Designerinnen der Geschichte, Elsa Schiaparelli, vereinte nicht nur die Welten von Mode und Kunst, sondern brachte sie auf eine Weise zusammen, wie es zu ihrer Zeit niemand sonst vermochte. Von der Surrealismus-Bewegung fasziniert, standen Schiaparellis Schmuckkreationen ihren außergewöhnlichen und extravaganten Modeentwürfen in nichts nach.
Schiaparellis Schmuckkreationen entstanden vermutlich aus ihren subversiven Verschlüssen. Knöpfe in Form von Vorhängeschlössern, Schnecken, Kaffeebohnen, Lutschern, Früchten, Gemüse und Löffeln zierten ihre Kleider, Jacken und Mäntel. Viele ihrer Couture-Stücke waren zudem reich mit Edelsteinen besetzt und kunstvoll verziert – ganz wie die Kreationen, die heute entstehen.
Marianne Ostier
Ostier, inc, ein New Yorker Juwelierunternehmen, das im Laufe der Zeit zahlreiche Auszeichnungen erhielt, wurde von dem Ehepaar Oliver und Marianne Ostier geführt. Die Hauptdesignerin Marianne war zuvor als Malerin und Bildhauerin in Wien tätig, zog jedoch nach der Annexion Österreichs durch die Nationalsozialisten 1938 gemeinsam mit ihrem Ehemann in die USA.
Marianne Osters frühere Arbeiten waren klassisch-deko, sie schuf fließende, geometrische Stücke aus Diamanten und Platin, die bei den eleganten New Yorker Gesellschaftsdamen und der Elite großen Anklang fanden. Ihre Entwürfe entwickelten sich dramatisch weiter, entfernten sich von der Art Deco-Bewegung und wurden fließender, wobei Gold zunehmend Verwendung fand.
1966 wurde Ostiers Schmuck in eine Ausstellung aufgenommen, in der auch Werke von Salvador Dali und Georges Braque gezeigt wurden.
Ostiers Meistermarke ist „MO“ oder „M.OSTIER“, und sie verfasste 1958 ein Buch über Schmuck mit dem Titel „Jewels and the woman: the romance, magic and art of feminine adornment“.
Ostier inc wurde Ende der 1960er Jahre nach dem Tod von Oliver Ostier geschlossen, und Marianne verstarb selbst 1976 und hinterließ ein weitgehend unbekanntes Vermächtnis.
Wir danken Ihnen herzlich für die Lektüre dieses dichten, aber höchst informativen Beitrags über Juwelierinnen – sowohl bekannte als auch im Laufe der Geschichte vergessene.
Es ist zutiefst inspirierend zu erfahren, wie Frauen sich mit Leidenschaft und Talent für Schmuck ihren Weg in eine von Männern dominierte Welt gebahnt haben.
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Herzlichst,
Lillicoco xo