Wie Sie vielleicht bereits in unseren Lillicoco University Guides entdeckt haben, beleuchten wir die faszinierende Geschichte des antiken Schmucks, darunter Georgian, Victorian, Art Nouveau, Edwardian und Art Deco. Doch abgesehen von Edwardian und Art Deco – welche weiteren Schmuckströmungen und Stilrichtungen prägten das 20. Jahrhundert?
In den vergangenen 80 Jahren hat sich die Kunst- und Schmuckszene zu neuen, schwindelerregenden Höhen entwickelt – mit neuen Technologien, Materialien und Kunstschulen, die für Menschen aller Herkunft zugänglich wurden. Hinzu kamen zahlreiche gesellschaftliche und politische Bewegungen, die Kreativität und Inspiration prägten, darunter die Nachwirkungen des Ersten und Zweiten Weltkriegs, die zweite und dritte Welle der Frauenbewegung sowie die Bürgerrechtsbewegung. Die untenstehenden Vintage-Vogue-Drucke aus Kriegszeiten illustrieren eindrucksvoll, wie sehr das häusliche Leben von Frauen und Männern beeinflusst wurde.
Nicht nur durch kulturelle Kommentatoren wie Vogue wird die Bandbreite des kulturellen Wandels sichtbar. Auch ein Blick auf die Vielzahl künstlerischer Strömungen, die Malerei, Skulptur, Mode, Literatur und natürlich das Schmuckdesign beeinflussten, gibt einen Eindruck davon.
- Expressionismus
- Fauvismus
- Kubismus
- Dadaismus
- Surrealismus
- Abstrakter Expressionismus
- Pop Art
- Postmoderne
Innerhalb jeder Strömung erforschten und experimentierten Künstler mit Themen durch ihre persönliche Perspektive und Lebenserfahrung – das Ergebnis sind einige der größten und verehrtesten Kunstwerke und Künstler, die wir heute kennen: Salvador Dali, Pablo Picasso, Piet Mondrian, Frida Kahlo, Jackson Pollock, Georgia O’Keeffe, Francis Bacon und Andy Warhol, um nur einige zu nennen!
Vor diesem Hintergrund waren, anders als in den vorherigen Epochen, die Schmuckcodes und Moden nicht mehr so streng. Es entstanden zwei Arten von Schmuck: die experimentelle, skulpturale und rein künstlerische Richtung, aber auch die massenproduzierte Variante der Konsumkultur.
Erstere näherten sich der Frage „Was ist Kunst?“ und setzten sich mit den oben genannten künstlerischen Strömungen auseinander, während letztere Schmuckstücke waren, die aus günstigen Materialien gefertigt und in großer Stückzahl produziert wurden, sodass Menschen aus allen Lebensbereichen funkelnde Kreationen tragen konnten.
Für leidenschaftliche Sammler von Vintage-Schmuck haben wir drei bedeutende Schmuckströmungen des 20. Jahrhunderts zusammengestellt, die Sie unserer Meinung nach unbedingt kennen sollten! Kunst- und Modernistenschmuck, Surrealistenschmuck und Schmuck der Mitte des 20. Jahrhunderts.
Und in der nächsten Woche widmen wir uns den Schmucktrends der 1970er, 80er und 90er Jahre – bleiben Sie also gespannt!
Art Jewellery und Modernist Jewellery
Art jewellery entwickelte sich aus der Arts and Crafts-Bewegung (1880–1920), die sich mit naturinspirierten Motiven gegen die industrielle Revolution der Victorian-Ära wandte. Heute bezeichnet Art jewellery Schmuck, der von kleinen unabhängigen Ateliers und Kunsthandwerkern geschaffen wird – im Gegensatz zu großen Marken.
Art jewellery betont kreative Ausdruckskraft und künstlerische Freiheit und zeichnet sich stilistisch durch eine Vielfalt an Materialien aus, insbesondere solchen von geringem wirtschaftlichem Wert. Diese werden gezielt eingesetzt, um Schmuck aus kostbaren Materialien entgegenzuwirken und die Frage aufzuwerfen: Was ist der wahre Wert von Schmuck?
Art Jewellery ist eng mit Studio jewellery verbunden, einer Bewegung, die im 20. Jahrhundert England und Amerika prägte. Wie Art jewellery wird Studio jewellery von unabhängigen Künstlern gefertigt, die die ausgewählten Materialien selbst bearbeiten, um einzigartige oder in limitierter Auflage produzierte Schmuckstücke zu schaffen. Der Goldschmied ist zugleich Gestalter und Ausführender, und die Werke entstehen in einem kleinen privaten Atelier statt in einer großen Fabrik.
Sam Kramer Silber-Liebesbrosche, um 1949, Quelle – Museum of Fine Arts Boston
Art jewellery war im Wesentlichen eine kritische Bewegung, die die Konventionen des Wertes und die Beziehung zwischen Schmuck und Körper hinterfragte. Es galt – und gilt bis heute – dass der Wert eines Schmuckstücks in seinen Materialien liege. In den 1960er Jahren integrierten Art jewellers vermehrt leicht verfügbare und neue Werkstoffe wie Acryl und Aluminium in ihre Entwürfe und stellten damit die traditionelle Rolle von Schmuck als Statussymbol und Zeichen von Wohlstand infrage.
Sam Kramer Silber-Manschettenarmreif mit Glas-Taxidermie-Auge, um 1950, Quelle – Museum of Fine Arts Boston
Art jewellery stellte auch die Frage, WER Schmuck tragen sollte, infrage. Bis zu diesem Zeitpunkt wurde Schmuck überwiegend von Frauen getragen und spielte eine zentrale Rolle in der Garderobe der Oberschicht. Durch die Verwendung preiswerter Materialien und abstrakter Formen entstanden bewusst mehrdeutige Stücke, die sowohl erschwinglich als auch unisex sind.
Margaret de Patta Silber-Türkis-Anhänger-Kette, um 1930, Quelle – Oakland Museum of California
Einer der Gründe, warum Art jewellery bei Goldschmieden so beliebt war, liegt darin, dass es sowohl Amateure als auch Berufseinsteiger ansprach. Um Art jewellery zu fertigen, benötigte man nur wenige Materialien und Werkzeuge sowie einen kleinen Arbeitsplatz – so war diese Kunstform für Menschen aller gesellschaftlichen Schichten attraktiv.
Obwohl der Ursprung in der britischen Arts and Crafts-Bewegung lag, gab es einen entscheidenden Unterschied, der den Kunstschmuck von seinen Vorgängern abgrenzte. In unserem Liberty & Co Arts and Crafts movement Blog erläutern wir, dass sich die Arts and Crafts-Bewegung darauf konzentrierte, Kunst und Handwerk zu vereinen und das handwerkliche Arbeiten gegenüber maschineller Fertigung zu betonen. Es war die Überzeugung, dass die erfüllende Seite der Arbeit letztlich sowohl ein besseres Werk als auch einen besseren Menschen hervorbringt.
Kunstschmuck hingegen, insbesondere in Amerika, konzentrierte sich darauf, Kunst und Freizeit miteinander zu verbinden. Man war überzeugt, dass der schöpferische Akt eine entspannende und erholsame Tätigkeit sei und einen Ausgleich zu den Herausforderungen des Lebens biete.
Kunstschmuck entwickelte sich zum Modernist-Schmuck, der in den 1940er Jahren, während und nach dem Zweiten Weltkrieg, seinen Ursprung fand. Diese Zeit war geprägt von Angst und Unsicherheit – von den Gräueltaten des Krieges über das Trauma des Holocaust, die Angst vor der Bombe, die Politik der Vorurteile aufgrund von Rasse und Klasse bis hin zu den weitreichenden Folgen von Industrialisierung und Kommerzialisierung. Wie der Kunstschmuck wurde auch der Modernist-Schmuck geschaffen, um die Handschrift des Künstlers zu feiern, nicht den Materialwert. Modernist-Schmuck erfreute sich großer Beliebtheit, da das dahinterstehende Konzept inmitten all der Unsicherheit besonders ansprechend war. Zudem waren diese Stücke erschwinglicher und Ausdruck der eigenen Identität.
Zu den berühmten Modernist-Schmuckkünstlern zählten Margaret de Patta, Ed Weiner, Alexander Calder, Jacques Lipchitz und Richard Pousette-Dart. Jeder dieser Künstler interpretierte die Modernist-Schmuckbewegung auf seine eigene Weise und integrierte Stile aus sich überschneidenden Kunstströmungen wie Kubismus, Primitivismus, Biomorphismus, Futurismus und Dadaismus.
Während und nach den 1960er Jahren erlebte die Modernist-Schmuckbewegung einen rasanten Aufschwung. Dies lag vor allem daran, dass das Anfertigen von Schmuck als physikalische Therapie für Veteranen des Zweiten Weltkriegs gefördert wurde, da es die Armmuskulatur stärkte, die körperliche Koordination verbesserte und die Konzentration unterstützte. Diese Entwicklung sorgte weiterhin für Impulse und staatliche Fördermittel für die Künste und ermöglichte deren nationale Fortführung.
Surrealistischer Schmuck
Der Surrealismus war eine der bizarrsten künstlerischen Strömungen des 20. Jahrhunderts. Ein Fest für die Sinne, entstand der Surrealismus nach dem Ersten Weltkrieg und wurde maßgeblich vom Dadaismus, einer weiteren avantgardistischen Kunstrichtung, beeinflusst. Surrealistische Kunst war bewusst provokant und strebte danach, ungewöhnliche Bildwelten mit unlogischen Szenen und dem Alltäglichen zu verschmelzen. Laut Andre Bretons surrealistischem Manifest waren die entscheidenden Merkmale des Surrealismus die befreiende Kraft des Zufalls und des Unbewussten im kreativen Prozess. Der Surrealismus verschmolz perfekt mit dem pulsierenden Geist der 1920er Jahre, stand jedoch zugleich im Kontrast zu den starren, altmodischen gesellschaftlichen Normen. Vor diesem Hintergrund zählt der Surrealismus zu den revolutionärsten Kunstbewegungen der Geschichte.
Einer der bekanntesten und prägendsten Künstler dieser Epoche ist Salvador Dali. Er schuf nicht nur visionäre Kunstwerke, sondern auch surrealistischen Schmuck. Dali stellte die Beziehung des Schmucks zum Körper radikal infrage und revolutionierte das Genre. Seine erste Kollektion entstand in Zusammenarbeit mit Herzog Fulco di Verdura, der zuvor mit Coco Chanel gearbeitet hatte. Aus dieser einen Kollektion gingen zahlreiche weitere hervor.
Jedes Stück war ein Unikat, mechanisch und gefertigt aus einer Vielzahl funkelnder Juwelen und edler Edelsteine. So gab es beispielsweise eine mit Rubinen besetzte Brosche in Form eines menschlichen Herzens, die mit einer leichten Bewegung zu schlagen begann wie ein echtes Herz. Ein anderes Stück war ein vollständig beweglicher Seestern, der beim Anheben schlaff wurde, sich aber an den Arm der Trägerin schmiegte. Zusammengefasst war Dalis Schmuckstil explosiv anthropomorph: Man konnte mit Edelsteinen besetzte Augen und Münder an Kleidern, Schals und Blazern befestigen.
Dalis Zugehörigkeit zur surrealistischen Bewegung war jedoch nicht von Dauer. Tatsächlich wurde er in den 1930er und 1940er Jahren von den Surrealisten ausgeschlossen, auch wenn sein Stil von Revisionisten weiterhin einbezogen wird. Dali selbst verstand sich vielmehr als interdisziplinärer Künstler, ähnlich den Meistern der italienischen Renaissance.
Interessanterweise wurde Dalis Schmuck von Kritikern nicht wohlwollend aufgenommen. Seine Kreationen galten als Abkehr von der wahren Kunst hin zum Kommerz. Dennoch ließ sich Dali davon nie abbringen. Er schrieb sogar: „Vor der Geschichte werden sie als Objekte reiner Schönheit gelten, ohne Nutzen, aber meisterhaft ausgeführt, und wurden in einer Zeit geschätzt, in der der Schwerpunkt scheinbar auf Nützlichkeit und Material lag.“
Dali fertigte zwischen 1941 und 1970 etwa 40 Stücke an, die heute von Sammlern und Kuratoren heiß begehrt sind. Die meisten befinden sich im Salvador Dali Museum. Im Mai 2014 versteigerte Sotheby’s eines seiner berühmtesten Werke, die Brosche „Eye of the Time“, für beeindruckende 1.055.000 US-Dollar.
Nicht nur Salvador Dali schuf surrealistischen Schmuck – auch andere moderne Künstler wie Meret Oppenheim, Max Ernst und Man Ray wagten sich an die Goldschmiedekunst. Das Konzept des „Zufalls“ fand seinen Ausdruck in lockeren, fließenden, skizzenhaften Entwürfen, die als Halsketten, Broschen, Gürtel und Ohrringe getragen werden konnten. Surrealistischer Schmuck griff zudem auf unkonventionelle Fundmaterialien zurück, wodurch das gesamte Schmuckstück verwandelt wurde. Eines der berühmtesten Werke war Meret Oppenheims Pelzarmreif, der ihr Assemblage-Kunstwerk „Pelzfrühstück“ (1936) inspirierte.
Meret Oppenheim arbeitete mit Elsa Schiaparelli zusammen, einer unserer prägenden Schmuck-Influencerinnen durch die Zeiten. Schiaparellis Entwürfe machten sie rasch zum Inbegriff der Modernität, und sie war besonders nach dem Ersten Weltkrieg sehr erfolgreich. Nach dem Zweiten Weltkrieg jedoch fiel es Schiaparelli schwer, mit der Pariser Mode Schritt zu halten, insbesondere angesichts der Dominanz von Christian Diors "New Look". In ihrer Zeit entwarf Schiaparelli nur wenige, aber außergewöhnliche, fantasievolle Modeschmuckstücke und entwickelte zudem ungewöhnliche Verschlüsse für ihre Kleider. Ihr berühmtestes Schmuckstück war eine Rhodoid-Kette aus dem Jahr 1938, besetzt mit metallischen Insekten, die den Eindruck erweckte, als würden Käfer über die Haut der Trägerin krabbeln. Schiaparelli schloss ihr Geschäft 1954, doch 2007 wurde es vom italienischen Unternehmer Diego Della Valle übernommen und 2013 mit der Ernennung von Marco Zanini zum Chefdesigner offiziell wiederbelebt.
Zuletzt stand während der Paris Haute Couture Woche 2020 Schmuck im Mittelpunkt von Schiaparellis Kollektion. Von Goldzähnen und Perlen-Chokern, die den Edwardianischen Rüschenkragen nachahmen, über emaillierte Augenohrhänger, opulente Strass-Chandelier-Ohrringe, skulpturale Goldbrillen bis hin zu mit antikem Schmuck verzierten, skelettartigen Handschuhen zeigte Schiaparelli, dass das Haus seine surrealistischen Wurzeln nicht vergessen hat.
Vielleicht ist dies der Beweis dafür, dass surrealistischer Schmuck eine Renaissance erlebt? Ein Markenzeichen für seltsame und unsichere Zeiten...
Schmuck der Mitte des Jahrhunderts
Schmuck der Mitte des Jahrhunderts entstand in den 1950er Jahren und war weniger eine "Bewegung" als vielmehr ein klar definierter Stil, der jedoch das Design und die Einkaufsgewohnheiten der Mitte bis späten 20. Jahrhunderts maßgeblich prägte.
Obwohl Christian Diors "New Look" leider das Ende von Schiaparellis Marke im 20. Jahrhundert einläutete, begründete er zugleich einen neuen Schmuckstil. Christian Diors "New Look" wurde 1947 vorgestellt, nur zwei Jahre nach dem Zweiten Weltkrieg.
Der "New Look" galt als optimistisches Zeichen des Wandels, was wohl auch seinen großen Erfolg und seine zentrale Bedeutung in der Modegeschichte erklärt. Dieser Stil bildete einen deutlichen Kontrast zu den strengen, entbehrungsreichen Kleidervorschriften des Zweiten Weltkriegs sowie zu den befreiten, fließenden Linien der Mode der 1920er und 1930er Jahre. Seine Kreationen galten als radikal feminin – mit taillierten Jacken, gepolsterten Hüften und A-Linien-Röcken. Anstatt praktische Kleidung für den Alltag zu entwerfen, verkaufte er den Traum von den "guten alten Zeiten" vor dem Krieg, in denen Frauen glamourös aussehen und sich ebenso fühlen konnten. Obwohl diese Entwürfe von neuen feministischen Strömungen abgelehnt wurden, erfreuten sie sich dennoch in allen Gesellschaftsschichten großer Beliebtheit. Zudem galten die längeren Stoffbahnen als Symbol für das Ende staatlicher Einschränkungen und für ungehemmten Luxus.
Dieser elegante, an vergangene Zeiten erinnernde Stil fand unweigerlich seinen Weg in den Schmuck der 1940er, 50er und 60er Jahre. Diese Stilrichtung wird als „Mid-Century“ bezeichnet, benannt nach dem Buch „Mid-century Modern: furniture of the 1950s“ aus dem Jahr 1984. Das Buch zeigte, dass das bevorzugte Design jener Zeit elegant, klar und schlicht war – passend für jeden Geschmack und jedes Budget. Unter dem Einfluss dieser beiden Strömungen entwickelte sich der Mid-Century-Schmuck in zwei Richtungen. Viele renommierte Schmuckhäuser wie Harry Winston, Cartier, Boucheron, Van Cleef & Arpels und Tiffany’s schufen Schmuck, der traditionelle Designs aufgriff und den Fokus auf Materialien und Edelsteine legte – ein deutlicher Kontrast zu Arts und modernistischem Schmuck.
Daneben gab es auch ausgeprägt modernistischen Schmuck mit klaren Linien und geometrischen Formen. Modeschmuck war ebenfalls sehr beliebt und zeichnete sich durch große facettierte oder polierte Perlen, preisgünstigere Materialien, Imitationsperlen und neue Werkstoffe wie Bakelit, Diamante und Lucite aus. Besonders begehrt waren die Aurora Borealis Edelsteine von Swarovski, die durch irisierenden Glanz und funkelnde Brillanz bestachen.
Mid-Century-Ringe waren groß und auffällig und begründeten so den Trend der „Cocktail“-Ringe – ein Symbol für das Ausgehen, den Genuss von Drinks, Tanz und Freizeit, stets begleitet von passendem Schmuck.
Für den legeren Alltag bevorzugte man massive Goldbroschen sowie geflochtene oder gedrehte Goldketten. Dieser üppige, voluminöse Look stand im Kontrast zu den klaren architektonischen Linien des Art Deco. Am Abend hingegen war der „Diamant-Look“ äußerst angesagt. Dies fiel mit der Werbekampagne „Diamonds are Forever“ von De Beers aus dem Jahr 1948 zusammen, die Diamantschmuck für alle Preisklassen zugänglich machte.
Die Schmuckdesigns waren verspielt und betont feminin, mit Motiven wie Blumen, Tieren und himmlischen Sternenexplosionen. Das ikonische Ballerina-Schmuckstück von Van Cleef and Arpels ist ein herausragendes Beispiel für diesen eleganten und zugleich charmanten Stil. Die kulturelle Explosion des Hollywood-Kinos führte dazu, dass viele die Stile von Schauspielerinnen wie Audrey Hepburn, Grace Kelly, Marilyn Monroe und Doris Day tragen und nachahmen wollten – diese Looks waren sinnlich, glamourös, raffiniert und elegant.
In dieser Epoche wurden auch Frauen wie Jeanne Boivin, Suzanne Belperron, Coco Chanel und Jeanne Toussaint als Juweliere hoch angesehen. Ihre feinen Schmuckkreationen verkörperten die glamouröse Ästhetik des Mid-Century-Schmucks.
Insgesamt waren diese Schmuckbewegungen des 20. Jahrhunderts Wegbereiter für die modischen und kulturellen Highlights der 1970er, 1980er und 1990er Jahre. Schmuck wurde rasch zum stilistischen Markenzeichen der eigenen Identität und entwickelte sich zu einem Berufsfeld, das allen offenstand. Bleiben Sie dran für den Blogbeitrag der nächsten Woche, in dem wir noch mehr darüber enthüllen!
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Mit Liebe, Lillicoco xo