Eine kurze, doch bedeutende Kunstepoche, die das Fin de Siècle des 19. und 20. Jahrhunderts verbindet – dies ist der kühne neue Stil des Art Nouveau.
Was ist Art Nouveau?
Art Nouveau unterscheidet sich von anderen Kunststilen durch den charakteristischen Einsatz langer, geschwungener Linien und die Inspiration aus der Natur. Die Farbgebung ist dezent, mit sanften organischen Tönen, die von markanten Konturen umrahmt werden.
Art Nouveau ist ein französischer Begriff, der wörtlich „neue Kunst“ bedeutet und einen markanten Bruch mit den vorangegangenen Kunststilen symbolisiert. Der Name stammt von der Pariser Galerie Maison de l'Art Nouveau (Haus der Neuen Kunst), die von Siegfried Bing geführt wurde. Bing, ein deutsch-französischer Sammler avantgardistischer Kunst mit besonderem Gespür für japanische Werke, machte diese Galerie ab 1895 zum Zentrum des Art Nouveau. Zeitgenössische Möbel und Dekorationsobjekte wurden dort neben objets d’art präsentiert.
Art Nouveau war eine künstlerische Bewegung, die als Antwort auf die vorherrschende Dominanz klassischer Stile und deren strenge formale Strukturen im 19. Jahrhundert entstand. Die Befürworter strebten danach, die dekorativen Künste auf die gleiche Stufe der Wertschätzung und Anerkennung wie die bildenden Künste zu heben.
Dieser Stil war zwischen 1890 und 1910 am beliebtesten und erhielt in den westlichen Ländern unterschiedliche Bezeichnungen. Die regionalen Ausprägungen zeichneten sich durch charakteristische Merkmale aus, die die Bewegung in den jeweiligen Gebieten prägten.
Die Grundlagen von Art Nouveau weltweit
Obwohl der Name auf eine Galerie in Frankreich zurückgeht, nahm Art Nouveau seinen Anfang in Großbritannien. Der britische Designer William Morris war ein Pionier der Arts and Crafts-Bewegung ab 1880, die zu den wichtigsten Inspirationsquellen für Art Nouveau zählte. Morris’ Vorliebe für florale Muster und seine Wertschätzung für das Kunsthandwerk sind bis heute Grundpfeiler der Philosophie von Art Nouveau.
Im Vereinigten Königreich war Art Nouveau eher als Modern Style bekannt. Die Glasgow School in Schottland war die treibende Kraft für die Ausprägung der Art Nouveau-Architektur im Land.
Mit dem aufblühenden kulturellen Austausch zwischen Ost und West jener Zeit prägte die japanische Kunst maßgeblich die Entwicklung von Art Nouveau. Japanische Holzschnitte und ihre charakteristischen „Peitschenhieb“-Linien beflügelten die Fantasie europäischer Künstler. Katsushika Hokusai, Utagawa Hiroshige und Utagawa Kunisada waren die bedeutendsten Wegbereiter des Japonismus.
Style moderne war eine alternative Bezeichnung für diese Ästhetik in Frankreich. Besonders in Paris und Nancy fand der Stil großen Anklang. Dies zeigt sich in den reich verzierten Gebäuden, Restaurants und Cafés.
In Deutschland wurde der Stil als Jugendstil oder „Jugendstil“ nach der Kunstzeitschrift Die Jugend bezeichnet, die 1896 von George Hirth gegründet wurde. Diese Zeitschrift spielte eine entscheidende Rolle bei der Verbreitung von Art Nouveau im ganzen Land, insbesondere im Bereich des Grafikdesigns. Österreichische Künstler entwickelten einen dem Jugendstil verwandten Stil, der als Secessionsstil oder Wiener Secession bekannt wurde.
Stile Liberty war die Bezeichnung für Art Nouveau in Italien. Der Name wurde vom britischen Kaufhaus Liberty & Co. übernommen.
In Spanien war sie als Modernismo oder Modernisme (auf Katalanisch) bekannt, mit einer besonderen Ausprägung, die vom katalanischen Nationalbewusstsein geprägt war.
Belgische Künstler nannten sie Style nouille oder Style coup de fouet. Der Architekt Victor Horta war eine der führenden Persönlichkeiten der Bewegung in Belgien.
Nieuwe Kunst war die Bezeichnung in den Niederlanden. Diese „Neue Kunst“ fand ihren Ausdruck in der Architektur, die zwischen Funktionalität und Ornamentik oszillierte.
Still modern war der Stil, der in Russland, insbesondere in Moskau und Sankt Petersburg, durch die Veröffentlichung von „Die Welt der Kunst“ im Jahr 1898 populär wurde. Diese Ausprägung der Art Nouveau war von russischer Folklore inspiriert.
In den Vereinigten Staaten führte der Künstler und Designer Louis Comfort Tiffany die Art Nouveau -Bewegung durch seine Glasarbeiten an. Der ausgezeichnete Ruf seines Unternehmens und die weite Verbreitung seiner Produkte führten dazu, dass Art Nouveau in den USA als Tiffany Style bekannt wurde.
Art Nouveau in der Bildenden Kunst
Textilien spielten eine bedeutende Rolle bei der Verbreitung von Art Nouveau. Liberty & Co. verkaufte zahlreiche Stoffe mit floralen Mustern und naturinspirierten geometrischen Formen. Viele dieser Entwürfe stammten von William Morris, Margaret Macdonald Mackintosh, dem Silver Studio und der Glasgow School.
Eugene Grassets La Plante et ses applications ornamentales galt als maßgebendes Werk über die Verwendung von Pflanzen als dekorative Motive. Auch die Folklore inspirierte zahlreiche kreative Entwürfe für dekorative Objekte wie Wandteppiche und Stickereien.
Ein weiterer Wegbereiter für die breite Akzeptanz von Art Nouveau war das Grafikdesign. Mit der Einführung der Farblithografie im Jahr 1798 fanden farbige Plakate immer häufiger Verwendung in der Werbung. Dies fiel mit dem Aufstieg der großen Warenhäuser zusammen. Künstler gestalteten diese Plakate im Art Nouveau-Stil, meist mit idealisierten Frauen, umgeben von Blumen. Buchumschläge und Illustrationen in Zeitschriften mussten mit kunstvollen, schwungvollen Linien und raffinierten Mustern die Aufmerksamkeit der Leser gewinnen und halten.
Aubrey Beardsley aus Großbritannien, Eugene Grasset aus Frankreich, Alphonse Mucha aus dem österreichisch-ungarischen Reich und Koloman Moser aus Wien gehörten zu den bedeutendsten Namen der Art Nouveau-Grafik.
Die Fortschritte in der Glasmacherkunst – wie Ätzung, Glasblasen, Färben und Einlagen – waren entscheidend für die Verbreitung der Art Nouveau im Bereich der Glaskunst.
Emille Gallé sowie die Brüder Auguste und Antonin Daum prägten mit ihren Vasen- und Kunstglasentwürfen die französische Glaskunstszene. Diese Künstler waren in Nancy ansässig, wo die Art Nouveau-Häuser ebenfalls mit blumengemusterten Buntglasfenstern ausgestattet waren.
Louis Comfort Tiffanys Innovation in der Glasfärbung ließ das Leuchten der Favrile-Glaslampenschirme erstrahlen. Diese Technik unterstrich die Harmonie von bildender und angewandter Kunst, wie sie Art Nouveau verkörperte.
Da die Bewegung eine Gleichstellung der bildenden und angewandten Künste anstrebte, erhielt die Malerei eine praktischere Rolle. Sie ergänzte Architektur, Inneneinrichtung und in der Folge auch Möbeldesign. So entstand ein harmonisches Gesamtbild, das innen wie außen eine starke Vision von Schönheit in jedem einzelnen Element widerspiegelte. Wurden Gemälde als eigenständige Werke geschaffen, so zeigten sie oft eine verspielte Weiblichkeit.
Gustav Klimt war einer der Hauptmaler der Wiener Secession, einem Zweig des Art Nouveau. Mit seiner meisterhaften Malerei schmückte er die Innenräume der Wiener Architektur.
Die Keramikkunst erlebte in dieser Zeit technologische Durchbrüche, ostasiatische Einflüsse und architektonische Anwendungen. Zu den damals angesagten Techniken zählten die Ätzung mit Flusssäure und die matte Glasur.
Die blütenreichen Designs Chinas und Japans für ihre Keramiken fanden Eingang in die europäischen Töpfermuster. Alexandre Bigots Unternehmen fertigte Terrakotta-Fliesen und Dekore für Fassaden und Innenräume.
Art Nouveau Architektur
Der Architekt und Historiker Eugène Emmanuel Viollet-le-Duc veröffentlichte 1872 Entretiens sur l'architecture, in dem er sich für „eine neue Architektur“ aussprach, die auf der damaligen modernen Technologie sowie der Einheit von Dekoration und Funktion basierte. Diese Überzeugung fand im gesamten Art Nouveau-Architekturbewegung Widerhall.
Während das Industriezeitalter Städte mit großen, kantigen Gebäuden hervorbrachte, suchten Architekten nach Wegen, die Schönheit der Natur in ihre Entwürfe einfließen zu lassen und dabei von ausgefeilten Handwerkstechniken zu profitieren.
Fassaden waren reich mit floralen, pflanzlichen und tierischen Motiven geschmückt. Asymmetrie wurde bewusst als Gegenentwurf zur Gleichförmigkeit früherer Bauwerke eingesetzt. Wohnhäuser, Geschäftsbauten und öffentliche Einrichtungen wirkten, als seien sie organisch aus dem Boden gewachsen.
Die schwungvollen Linienführungen der damaligen Bildenden Kunst fanden sich in den parabolischen und hyperbolischen Bögen sowie in der organischen Ornamentik wieder. Sichtbares Schmiedeeisen und Glas, zu natürlichen Formen modelliert, betonten die Fassaden und verliehen ihnen Bewegung und Lebendigkeit. Terrakotta-Skulpturen und Keramikfliesen schmückten die Innenräume mit Wärme und Farbe.
Diese Verzierungen wurden ebenso sorgfältig in die Bauwerke integriert wie jeder einzelne Stein und Mörtel, um die Gestaltungsziele der Art Nouveau' zu verwirklichen. Gebäude und Schmuckelemente wurden als untrennbare Einheit betrachtet.
Victor Horta war der führende Architekt dieses Stils in Belgien. Seine Entwürfe für das Hôtel Tassel und das Hôtel Solvay in Brüssel sind architektonische Hommagen an die Vegetation und daran, wie sie sich ausbreitet und Raum auf der Erde einnimmt.
Der französische Architekt Hector Guimard ließ sich nach einem Besuch des Hôtel Tassel von Hortas Werk inspirieren. Guimard übertrug ähnliche Prinzipien auf das Design des Castel Béranger, eines prachtvollen Wohnhauses in Paris. Anschließend beauftragte ihn die französische Regierung mit der Gestaltung der Eingänge zur Pariser Métro, die 1900 eröffnet werden sollte. Die filigranen Glas- und Eisenarbeiten, die an Samenkapseln und Bohnenranken erinnern, begrüßen bis heute die Pariser Fahrgäste.
Antoni Gaudí aus Barcelona, Spanien, gilt als weiterer Titan der Art Nouveau -Architektur. Die Casa Mila vereint Stein und Eisen zu einer kontrollierten, geschwungenen Dynamik. Die Casa Batlló erhebt sich mit ihrer gebogenen Eisen- und Glasfassade wie ein Bauwerk aus einer anderen Welt – ihrem Namen als „Haus der Knochen“ mehr als gerecht werdend.
Jenseits des Atlantiks prägte Louis Henry Sullivan die Architekturgeschichte mit seinen pflanzlichen und wabenförmigen Entwürfen für das Wainwright Building, das Guaranty Building und die Chicago Stock Exchange.
Ålesund, Norwegen, erlitt 1904 verheerende Brände, sodass die Stadt nahezu vollständig im Art Nouveau -Stil wiederaufgebaut wurde.
Art Nouveau Mode
Der Einfluss des Art Nouveau auf die Mode ist eng mit dem Aufstieg der angesehenen Pariser Couture-Häuser verbunden. Die Chambre Syndicale de la Couture Parisienne etablierte eine Geschäftsstruktur, der die großen Couture-Häuser folgten. Dies führte zu einer gemeinsamen Anstrengung, Paris als führende Modemetropole zu etablieren. Da sich dies während der Art Nouveau Bewegung vollzog, spiegelte sich der Stil in den Entwürfen der Couturiers wider, die ausschließlich der internationalen Elite vorbehalten waren.
Couturiers brachten ihre Art Nouveau Sensibilität besonders in der Abendmode zum Ausdruck. Abendkleider wurden als dekorative Kunst verstanden und zeigten aufwendige florale Stickereien, Applikationen und Spitzenbesätze. Die S-Linie blieb eine beliebte Silhouette und passte perfekt zur geschwungenen Ästhetik des „Neuen Stils“.
Es vollzog sich ein Wandel hin zu einer weicheren, natürlicheren Silhouette, die auf das enge Korsett verzichtete. Geschlechterambiguität und Tragekomfort wurden zu zentralen Gestaltungszielen, wobei Couturiers für Damen sich von der maßgeschneiderten Herrenmode inspirieren ließen.
Die renommierten Designer dieser Epoche waren Jean-Philippe Worth vom House of Worth, Paul Poiret und Jeanne Paquin, um nur einige zu nennen. Ihre Werke verkörperten den Luxus, die Schönheit und die Experimentierfreude der Art Nouveau Mode.
Maßgebende Modezeitschriften wie Les Modes, La Mode Illustrée und The Ladies Field spielten eine entscheidende Rolle dabei, den Kleidungsstil unter Frauen der oberen und mittleren Gesellschaftsschichten zu verbreiten.
Art Nouveau Schmuck
Die Themen des Art Nouveau Schmucks folgten dem übergreifenden Stil der Bewegung. Flora, Fauna und die weibliche Form wurden gefeiert. Das Design und das Zusammenspiel der Farben rund um die Edelsteine waren ebenso wichtig, wenn nicht sogar bedeutender als die Edelsteine selbst. Juweliere waren nicht auf klassische Schmuckstücke beschränkt und widmeten ihr Können der Verschönerung von Accessoires wie Fächern, Taschenuhren und Kämmen.
Beliebte Naturmotive waren Vögel und geflügelte Insekten wie Schmetterlinge und Libellen. Frauen standen im Mittelpunkt prachtvoller Schmuckstücke wie Halsketten mit Anhängern sowie zurückhaltender Werke wie Kameen und wurden in fantasievollen, teils erotisierten Formen dargestellt. Langes, fließendes Haar bildete die markanten, geschwungenen Linien, die Art Nouveau. prägten.
Diamanten standen in früheren Epochen im Mittelpunkt des Schmucks, doch während der Art Nouveau-Bewegung traten farbenfrohere Edelsteine wie Achat, Aquamarin und Opal in den Vordergrund. Barockperlen waren ebenfalls wegen ihrer auffälligen Größe und Form sehr gefragt. Materialien wie erhitztes Horn und geschnitztes Elfenbein wurden für innovative Kreationen verwendet.
Auch die Emaillekunst gewann an Bedeutung. Die Plique-à-jour-Technik ermöglichte es, dass Licht durch das Emaille hindurchscheinen konnte und so dem Design eine besondere Transparenz verlieh.
René Lalique war der produktivste Schmuckdesigner seiner Zeit. Er war Lehrling bei Louis Aucoc, einer bedeutenden Persönlichkeit des frühen Art Nouveau -Schmucks, dessen Pariser Atelier in der Branche höchstes Ansehen genoss.
René Lalique verdankte einen Großteil seines Erfolgs der Unterstützung durch die Bühnen- und Filmschauspielerin Sarah Bernhardt. Bernhardts Berühmtheit verband Laliques Schmuck mit Ruhm und Reichtum. Der Überfluss, der aus Laliques Kreationen und denen seiner Zeitgenossen sprach, bedeutete, dass nur Mitglieder der feinen Gesellschaft, wie Bernhardt, sich solch luxuriöse Stücke leisten konnten.
Diese Verbindung mit Wohlstand, ganz zu schweigen von ihrer Zerbrechlichkeit, machte Art Nouveau-Schmuck ebenso zu einer schnell vergänglichen Modeerscheinung wie die Stilbewegung selbst. Nur eine ausgewählte Elite konnte sie tragen, und sie wurden leicht beiseitegelegt und als objet d'art betrachtet.
Das abrupte Ende der Art Nouveau
Das Streben nach Schönheit in der Handwerkskunst und die Betonung von Ornamentik in der Art Nouveau führten schließlich dazu, dass die dekorativen Entwürfe aus Sicht der Kritiker übertrieben wurden. Sie galten als zu üppig, beinahe schon verspielt. Die breite Masse hatte kaum Zugang zu Werken in diesem Stil, sodass sich die Sichtweise auf Kunst im Alltag wenig veränderte.
Art Nouveau wurde bereits vor dem Ersten Weltkrieg rasch aufgegeben und von den schlichteren Entwürfen und der breiteren Anziehungskraft des Art Deco abgelöst, die in der Zwischenkriegszeit der 1920er und 30er Jahre aufkamen.