Was ist Art Deco?
Art Deco entstand als Reaktion auf die Art Nouveau-Bewegung des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts, die sich durch eine organische, geschwungene Ästhetik auszeichnete. Im Gegensatz dazu betonte Art Deco geometrische Formen in klaren, kantigen und symmetrischen Linien mit deutlich abgegrenzten Farben. Dieser Stil verbindet schlichte dekorative Gestaltung mit funktionalen Objekten.
Der Name ist eine Verkürzung des Begriffs Arts Décoratifs, der von der Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes stammt – einer Kunstausstellung, die 1925 in Paris, Frankreich, stattfand. Der Stil selbst wurde bereits zuvor beim Bau von Geschäfts- und öffentlichen Gebäuden in Paris angewandt, doch erst dieses Ereignis rückte Art Deco in den Fokus von Künstlern und Ästheten weltweit.
In seinen Anfängen strahlten die Werke im Art Deco-Stil Luxus und Glamour aus, indem sie seltene Materialien wie Ebenholz, Elfenbein, Horn und Platin sowie außergewöhnliche Elemente wie Zebrafelle und Haifischhaut verwendeten. Nach dem Ausbruch der Weltwirtschaftskrise 1929 kamen zunehmend alltägliche Materialien wie Stahl, Kunststoff, Chrom und Glas zum Einsatz.
Art Deco ließ sich von einer Vielzahl an Quellen inspirieren. Besonders stark prägte Kubismus den Stil – jene Kunstrichtung, die von Pablo Picasso und Georges Braque in den 1900er Jahren entwickelt wurde und die Wirklichkeit in markante, geometrische Formen zerlegte. Auch Kunstwerke außerhalb der westlichen Welt beeinflussten die Ästhetik von Art Deco, insbesondere solche aztekischen und altägyptischen Ursprungs.
Um den Geist des Fortschritts einzufangen, wandte sich Art Deco der Maschine zu. Die weltweite Industrialisierung hatte das Leben der Menschen rasant verändert, und die Künstler jener Zeit bewunderten die Effizienz der Massenproduktion sowie deren Einfluss auf den Alltag der Menschen.
Züge, Ozeandampfer und Automobile galten als Sinnbilder der Industrie, sodass ihre Designs in die formale Philosophie der Art Deco-Anhänger einflossen.
Art Deco in der Bildenden Kunst
Mit dem Anspruch, Kunst zu schaffen, die die Fantasie der breiten Masse beflügelt, nutzten Grafikkünstler das Flair der Modernität, das Art Deco ausstrahlte.
Plakate der 1920er und 30er Jahre, die für Reisen, Veranstaltungen und die neuesten Produkte warben, übernahmen sämtliche Merkmale des damals als Art Moderne bekannten Stils. „Geschwindigkeitsstreifen“ an Automobilrädern und Zügen symbolisierten Fortschritt, und aufgesprühte Metalloberflächen verkörperten das Versprechen der Technik.
Titelblätter der neuesten Magazine leuchteten in kräftigen, satten Farben, großen Farbflächen und parallelen Linien. Die Typografie war elegant und markant, vermittelte klare, prägnante Botschaften an das Publikum.
Nachdem die Malerei über Jahrhunderte hinweg von der feinen Gesellschaft und der Öffentlichkeit verehrt wurde, trat diese edle Kunstform auf dem Höhepunkt des Art Deco in den Hintergrund. Da der Stil nun vor allem dazu diente, andere Werke hervorzuheben, wurden Gemälde als Ergänzung zu den Tätigkeiten in den jeweiligen Gebäuden integriert.
Viele dieser Gemälde wurden als Wandbilder ausgeführt. Maler wie Jean Dupas, Rockwell Kent und Diego Rivera stellten Menschen in Bewegung durch Zeit und Raum dar.
Tamara de Lempicka zeichnete sich durch ihre Art Deco-Porträts der Reichen und Berühmten aus.
Als eine weitere klassische Bildende Kunst fand die Bildhauerei verstärkt Anwendung in den hochfunktionalen Gestaltungszielen des Art Deco.
Statuen ragen empor und fordern so Aufmerksamkeit – sie harmonieren mit den markanten Figuren, die die Architektur jener Zeit in belebte Städte und pulsierende öffentliche Plätze brachte. Keine andere Skulptur dieser Art stach so hervor wie Paul Landowskis Christus der Erlöser, der vom Gipfel des Corcovado die Menschen von Rio de Janeiro überblickt.
Auch deutlich kleinere Art Deco-Skulpturen hinterließen einen bleibenden Eindruck in ihrem Umfeld. Salons und Foyers privater Unternehmen wurden mit Statuetten und Reliefs ausgestattet, die Personen in idealisierter, heroischer Pose zeigten.
Art Deco Architektur
Bis in die 1920er Jahre hatte die Industrialisierung die Städte zu Zentren des Handels, Wohnens und der Unterhaltung gemacht. Die Gebäude in diesen Städten dienten nicht nur als physische Strukturen für Menschen und Unternehmen, sondern auch als monumentale Symbole des Fortschritts, die eine verheißungsvolle Zukunft versprachen – besonders nach dem Ersten Weltkrieg. Art Deco verkaufte diese Vision in all ihrem Glanz und ihrer Verheißung.
Den Geist der Moderne in der Architektur verkörperten die Wolkenkratzer, die in den Metropolen Amerikas errichtet wurden. New York City rühmte sich einiger der höchsten Gebäude, die allesamt im Art Deco-Stil gestaltet wurden. Unbestritten das bekannteste unter ihnen ist das Empire State Building, doch auch das Chrysler Building und das Rockefeller Center sind berühmte Beispiele. Sie alle demonstrieren die Kraft klarer Linien, die in die Höhe streben und an ihren Spitzen mit Türmen und geometrischen Mustern veredelt sind.
Unterhaltungsetablissements zogen ihr Publikum mit kräftigen, leuchtenden Farben in aufrechten, parallelen Streifen und prachtvollen Interieurs in ihren Bann. Der Film war die große Attraktion, da der Einsatz von Ton erst kürzlich wirtschaftlich möglich geworden war. Daher mussten Kinos mehr Besucher aufnehmen können. Es entstanden sogenannte „Movie Palaces“, von denen die größten Tausende von Gästen fassten.
Das Grand Rex in Paris verfügte über einen Turm, der typisch für die Vertikalität der Art Deco-Architektur ist. Das Grauman's Egyptian Theatre in Hollywood wurde, wie der Name schon andeutet, mit großzügigem Einsatz ägyptischer Bildsprache errichtet und entführte Kinobesucher mit exotischen Motiven in eine andere Welt.
Die Radio City Music Hall in New York City konnte in ihren Anfangsjahren bis zu beeindruckende 6.015 Gäste empfangen und steht noch heute unversehrt da, wie bei ihrer Eröffnung im Jahr 1932.
Ebenso beeindruckend wie die Möglichkeiten dieser Gebäude waren die Innenraumgestaltungen, die ihre Säle schmückten.
Kombinationen aus farbigem Marmor und Keramik, ergänzt durch Buntglas und polierten Edelstahl, waren allgegenwärtig. Reliefs menschlicher Figuren sowie wiederkehrende Zickzack- und Chevron-Muster schmückten monumentale Wandgemälde. Skulpturen und Möbel mit Einlagen aus Elfenbein und Perlmutt setzten glanzvolle Akzente im Interieur.
Die Weltwirtschaftskrise hatte jedoch einen ernüchternden Einfluss auf die opulente Gestaltung der Art Deco-Architektur. Angesichts des dramatischen wirtschaftlichen Einbruchs musste der Bau praktischer und weniger extravagant werden. Mit einer zurückhaltenden, weniger verzierten Ästhetik wurde Streamline Moderne in den 1930er Jahren zum prägenden Architekturstil nach Art Deco.
Streamline Moderne bewahrte zwar die konzeptionelle Grundlage der Schlichtheit und modernen Eleganz des Art Deco, ersetzte jedoch markante Winkel und kräftige Farben durch sanfte Kurven und dezente Weißtöne.
Die Vertikalität wich langen, horizontalen Linien. Aerodynamik spielte eine wichtige Rolle im technischen Fortschritt und spiegelte sich in der Architektur des Streamline Moderne wider. Architekten dieser Stilrichtung ließen sich zudem von nautischen Designs inspirieren und integrierten Relings und Bullaugenfenster in Verkehrsbauten.
Art Deco Mode
Opulenz und technologische Innovation waren zweifellos Kennzeichen der Goldenen Zwanziger, doch diese Ära bedeutete auch bedeutenden gesellschaftlichen Fortschritt, insbesondere für Frauen.
Das Frauenwahlrecht hatte weltweit im vorangegangenen Jahrzehnt an Bedeutung gewonnen, sodass bis in die 1920er Jahre immer mehr Länder das Stimmrecht für Frauen einführten. Mit wachsendem politischem und kulturellem Einfluss begannen viele Frauen, sich von den traditionellen Rollenbildern zu befreien – und gerade in der Mode zeigte sich diese neue Freiheit besonders deutlich.
Die engen Taillen, üppigen Frisuren, betonten Dekolletés und aufwendig maßgeschneiderten Kleider wichen einer geraden Silhouette, kürzeren Haarschnitten, höheren Säumen und industriell gefertigten Stoffen.
Modezeitschriften kamen in Mode und verbreiteten die neuesten Kreationen von Jeanne Lanvin und Paul Poiret rasch in alle Gesellschaftsschichten. Filmstars wurden geboren und setzten Trends, denen jede junge Frau nacheifern wollte. Das Jazz-Zeitalter pulsierte in Clubs und Speakeasies. Frauen waren unterwegs – sie trugen und lebten Art Deco.
Das Bild der Flapper verkörpert die mondäne Frau des Art Deco: Das elegante, ärmellose Kleid, die markanten Farben und die kunstvollen Accessoires prägen den unverwechselbaren Vintage-Look der Flapper.
Auch der Einfluss Hollywoods auf die Damenmode der 20er und 30er Jahre kann nicht hoch genug eingeschätzt werden. Der Glamour der Leinwandidole war neuartig. Was die Hauptdarstellerinnen zu gesellschaftlichen Anlässen trugen, wurde zum Vorbild für jede wohlhabende Frau.
Wie bei allem im Art Deco waren auch bei den Kleidern markante Winkel präsent. Stoffe und Verzierungen waren edel und reflektierend. Die Roben reichten bis zum Boden.
Auch der Look des „Sportswear“ entstand in dieser Zeit, inspiriert von Coco Chanel. Da Frauen zunehmend an Sport- und Freizeitaktivitäten teilnahmen, entstand der Bedarf an funktionaler und bequemer Kleidung, die dennoch stilvoll war. So kamen leichte Stoffe wie Baumwolle, luftige Hosen und maskuline Jacken auf den Markt.
Obwohl die Kleider relativ schlicht geschnitten waren, setzten Frauen auf üppige Accessoires. Der Cloche-Hut war unverzichtbar und wurde mit Federn, Quasten und Broschen geschmückt. Da Frauen sich auch in der Öffentlichkeit schminkten, musste das Puderdöschen ansprechend aussehen. Pailletten und Perlen zierten Kleider und Handtaschen.
Die verschwenderischen Höhen, die die Mode erreichte, wurden schließlich durch die Weltwirtschaftskrise gedämpft. Dies bedeutete jedoch keinen vollständigen Rückzug der Kühnheit, die mit Art Deco einherging.
Während die Rocksäume länger wurden und die Verzierungen abnahmen, kehrten figurbetonte Kleider in die Mode zurück, wobei Frauen ihre Kleidung selbst nähten. Sie hatten nun auch die Möglichkeit, fertige Outfits aus den Katalogen der Kaufhäuser zu wählen, die erschwingliche und dennoch stilvolle Stücke präsentierten.
Art Deco Schmuck
Der Wohlstand der Nachkriegszeit spiegelte sich in der Vielfalt des getragenen Schmucks wider, und Art Deco Schmuck war glänzend, farbenfroh und exotisch.
Diamanten waren in den vergangenen Jahrzehnten die wichtigsten Edelsteine, die Schmuckstücke zierten. Daher entstand ein Trend zu leuchtend farbigen Edelsteinen sowie Onyx und schwarzer Emaille, um einen Wandel der Zeit zu signalisieren.
Smaragd, Jade, Koralle, Lapislazuli und Türkis, neben anderen, wurden in Gold eingelegt, als ostasiatische und ägyptische Einflüsse ihren Weg in die westliche Welt fanden.
Dies jedoch hielt die Dominanz der Diamanten nicht auf. Platin wurde als Basismetall immer gebräuchlicher, da es sich durch seine Verformbarkeit und Beständigkeit auszeichnet. Der klare, chromatische Glanz unterstrich das Leuchten der Diamanten und verlieh dem luxuriösen, reinweißen Erscheinungsbild zusätzliche Eleganz. Weißgold entwickelte sich zu einer beliebten Alternative als Begleiter der Diamanten. Das tiefe Schwarz des Onyx bildete einen markanten Kontrast zur Brillanz der Diamanten.
Technologische Fortschritte in der Metallverarbeitung und Edelsteinschleifkunst führten zu feineren, symmetrischen geometrischen Mustern – ein Markenzeichen des Art Deco – in Schmuckstücken. Druckgussmaschinen ermöglichten komplexe Filigranarbeiten. Edelsteine wurden passgenau für individuelle Schmuckdesigns geschliffen; diese Steine bezeichnet man als calibré-Schliff.
Perlmutt, poliertes Metall, geschliffenes Glas und sogar Kugellager gehörten zu den ungewöhnlichen Materialien, die in der Schmuckherstellung dieser Epoche verwendet wurden.
Schmuckstücke unterstrichen die drastischen Veränderungen in der Damenmode. Aufwendige Kreationen setzten Akzente zu den klaren, kürzer werdenden Kleidern. Hängende Ohrringe rahmten das sorgfältig gestylte Gesicht mit kurzem Haarschnitt. Lange Perlenketten fielen über tiefe Ausschnitte und offene Rücken. Anhängeruhren baumelten an so manchem Damenhals.
Armbänder und Armreifen schmückten die nackten Arme. Armbanduhren wandelten sich von hochfunktionalen Geräten, die von Männern im Ersten Weltkrieg getragen wurden, zu mit Edelsteinen besetzten Modeobjekten für Damen. Cocktailringe waren ein weiteres herausragendes Accessoire in den Schmucksets der Frauen.
Art Deco Zigarettenetui, 1920er Jahre
(Quelle: 1stdibs)
Da Frauen es genossen, in der Öffentlichkeit zu rauchen, mussten auch Zigarettenetuis und -halter das Bild von Wohlstand unterstreichen. Juwelierhäuser setzten geometrische Muster und ostasiatische Designs ein und verarbeiteten Edelsteine in solchen Accessoires.
Das Ende und die Wiedergeburt des Art Deco
Obwohl die Weltwirtschaftskrise in den 1930er Jahren die Lebendigkeit des Art Deco dämpfte, passte sich die Form an. Erst die Katastrophe des Zweiten Weltkriegs setzte der überschwänglichen Art Deco-Ära und ihrem Einfluss auf Kultur und Gesellschaft ein Ende. Es folgten die zurückhaltenderen, einheitlichen Stilrichtungen des Modernismus.
Art Deco erlebte in den 1960er Jahren eine Renaissance, insbesondere nachdem der Kunsthistoriker Bevis Hillier Werke dieses Stils in seinem Buch Art Deco of the 20s and 30s dokumentierte. Art Deco, mit seinem stets optimistischen Blick auf die Moderne, bleibt bis heute eine Inspirationsquelle für Grafikdesign, Mode und Möbeldesign.